Álbuns de Cabeceira

10 músicas para serem ouvidas num fim de tarde

2011-05-17T13:30:00.000-07:00

Depois de um dia de trabalho cheio de problemas, chega a hora de ir pra casa. É fim de tarde, vem vindo o pôr-do-sol e nada melhor do que relaxar ouvindo algumas músicas. Apresento então a vocês uma lista com 10 músicas para serem ouvidas num fim de tarde:

01. Anybody Seen My Baby (Rolling Stones)

02. One Headlight (Wallflowers)

03. Love Comes To Everyone (George Harrison)

04. Everybody Wants To Rule The World (Tears For Fears)

05. Follow You, Follow Me (Genesis)

06. Dreams (Fleetwood Mac)

07. The Sweetest Thing (U2)

08. All I Want To Be (Peter Frampton)

09. Madrigal (Rush)

10. Eye In The Sky (Alan Parson's Project)

Guitarristas com belas vozes

2011-04-10T13:30:00.000-07:00

De uns tempos pra cá venho ouvindo música não só com ouvidos de guitarrista, mas também com ouvidos de cantor. Não que se possa dizer "noooooossa, como é bom cantor o Érico", mas ando me arriscando um pouco mais a brincar com a voz e pra me encorajar venho escutando muitos guitarristas/cantores.

Seguem então algumas coisas interessantes que eu encontrei por aí em termos de guitarristas que se destacam também por suas belas vozes.

Richie Sambora (Bon Jovi)

David Gilmour (Pink Floyd)

Peter Frampton

Steve Lukather (Toto)

Nuno Bettencourt (Extreme)
Aqui ele participa com backing vocals. É mais sutil, mas dá pra sacar a voz do cara.

Peter Frampton Comes Alive! (Peter Frampton) - embarque nesta viagem

2011-03-11T15:34:00.000-08:00

Fim de tarde, hora de voltar pra casa após um merecido descanso fora do agito da cidade. Sento ao volante, ligo o rádio do carro e coloco um CD para servir de trilha sonora para a viagem. Desta vez escolho Peter Frampton Comes Alive!, um álbum ao vivo do cara que é conhecido como o "Rei do Classic Rock". Este álbum, lançado em 1976, levou Peter Frampton à notoriedade na época e até hoje é um clássico de tal forma que a maioria de seus grandes sucessos são conhecidos por esta versão ao vivo.

E a viagem começa...

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Nome do álbum: Peter Frampton Comes Alive!
Lançamento: 1976
Músicas:
Disco 1
01. Introduction/Something's Happening
02. Doobie Wah
03. Lines on My Face
04. Show Me the Way
05. It's a Plain Shame
06. Wind of Change
07. Just the Time of Year
08. Penny for Your Thoughts
09. All I Want to Be (Is by Your Side)
10. Baby, I Love Your Way
11. I Wanna Go to the Sun
Disco 2
01. Nowhere's too Far For My Baby
02. (I'll Give You Money)
03. Do You Feel Like We Do
04. Shine On
05. White Sugar
06. Jumping Jack Flash
07. Day's Dawning

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Muitos quilômetros de estrada pela frente, logo nada melhor que o bom e velho Rock n' Roll pra embalar a viagem. Tudo começa com Something's Happening e com o carro a bons 120 Km/h - calma, mais do que isso dá multa! Em seguida o Funk de verdade de Doobie Wah, com o Rei mostrando todo o seu swing e belas melodias vocais no refrão. A tarde vai caindo, o sol começa a ficar alaranjado e a trilha fica por conta de Lines on My Face, uma bela canção de amor.

Antes que eu precise ligar os faróis começa Show Me the Way, o primeiro grande hit de Peter Frampton. Esta música imortalizou o talk box, efeito no qual o guitarrista modula o som da guitarra com a boca, fazendo a guitarra "falar". Pra celebrar o fim de tarde e começo de noite vem It's a Plain Shame, mais um bom e velho Rock n' Roll.

Cai a noite e com ela surge um mar de luzes vermelhas à minha frente. Wind of Change abre o set acústico do disco, num clima mais folk e intimista de violão e voz. Aqui aparece mais um pouco da genialidade musical deste jovem de apenas 26 anos na época: todo o set acústico foi gravado microfonando o violão, nada de violão plugado como nos famigerados acústicos da MTV. Nesta mesma toada seguem Just the Time of Year, Penny for Your Thoughts (belíssimo Folk instrumental) e All I Want to Be (Is by Your Side); todas regadas por uma leve chuva na estrada. Pra finalizar o set acústico, o clássico absoluto Baby, I Love Your Way, trilha sonora de muitos casais por aí.

Pra encerrar o primeiro disco, um clima de suspense por conta do Hammond e do piano abre I Wanna Go to the Sun. Esta música representa bem o estilo de Peter Frampton, um Classic Rock com forte presença de pianos e Hammonds (clássico dos anos 70).

O CD 2 começa num ritmo mais acelerado, parecendo pressentir a proximidade da cidade. Nowhere's too Far from My Baby abre a segunda parte do show, seguida de (I'll Give You) Money. Entretanto, a cereja do bolo está por vir em Do You Feel Like We Do.

Do You Feel Like We Do é uma grande viagem musical de pouco mais de 13 minutos. Além dos solos de guitarra "tradicionais", da sessão de improviso no Hammond por conta de Bob Mayo (não se pode esquecer de Stanley Sheldon e John Siomon, baixista e baterista respectivamente, fazendo a "cozinha") e das vocalizações de Peter Frampton, há o clássico solo de 4 minutos com o talk box. Se você é guitarrista e quer saber o que é o talk box, esta é A MÚSICA. Peter Frampton faz a guitarra cantar, literalmente, frases como "Do you feel like we do", "That's all right" e "Feel good time". Apesar de não haver registro em vídeo deste show, é possível criar na sua própria mente o êxtase da platéia ao vê-lo se aproximar da mangueira do talk box.

A viagem vai chegando ao final. E com ela vem Shine On e uma sequência que pode enganar os fãs de Rolling Stones: White Sugar e Jumping Jack Flash. White Sugar é de fato uma música do Peter Frampton, não confunda com a famosa Brown Sugar. Já Jumping Jack Flash é uma versão bastante curiosa, com uma levada bastante diferente. Já circulando pelas ruas do meu bairro, chega o fim do segundo CD com Day's Dawning, uma gravação de estúdio inédita com uma levada Soul bastante interessante.

30 Anos de Moving Pictures

2011-02-19T07:03:00.000-08:00

Neste mês de fevereiro de 2011, o álbum Moving Pictures, o mais bem sucedido do Rush, completa 30 anos de lançamento. Aproveitando o "renascimento" do Álbuns de Cabeceira, venho aqui repostar a primeira resenha feita neste blog, que foi justamente uma resenha deste álbum.

As 1632 Mais da Kiss FM

2011-02-18T16:08:00.000-08:00

Desde a primeira vez que foi ao ar, em 2001, a rádio paulistana Kiss FM faz listagens dos 500 maiores clássicos do Rock n' Roll escolhidos pelos ouvintes. Ao longo das 10 listas que já foram feitas o método de votação mudou, o público da rádio mudou... mas os clássicos sempre estiveram presentes.

Nas minhas últimas férias universitárias fiz um levantamento das listagens desde 2001 até 2010 para montar um ranking geral. O sistema de pontuação é simples: cada música ganha 501-p pontos para cada aparição em uma listagem, sendo p a posição da música na listagem - ou seja, o 1º ganha 500 pontos, o 2º ganha 499,... e o 500º ganha 1. Logicamente, se a música não aparece numa listagem ela não ganha a pontuação respectiva.

Eis o top 100:

1. STAIRWAY TO HEAVEN (LED ZEPPELIN)
2. BOHEMIAN RHAPSODY (QUEEN)
3. SMOKE ON THE WATER (DEEP PURPLE)
4. HOTEL CALIFORNIA (EAGLES)
5. TOM SAWYER (RUSH)
6. ANOTHER BRICK IN THE WALL (PINK FLOYD)
7. KASHMIR (LED ZEPPELIN)
8. SULTANS OF SWING (DIRE STRAITS)
9. DREAM ON (AEROSMITH)
10. SATISFACTION (ROLLING STONES)
11. ROCK N' ROLL ALL NITE (KISS)
12. HELP! (THE BEATLES)
13. BORN TO BE WILD (STEPPENWOLF)
14. LIGHT MY FIRE (THE DOORS)
15. BURN (DEEP PURPLE)
16. BACK IN BLACK (AC/DC)
17. HIGHWAY STAR (DEEP PURPLE)
18. AQUALUNG (JETHRO TULL)
19. COCAINE (ERIC CLAPTON)
20. HOCUS POCUS (FOCUS)
21. BABA O' RILEY (THE WHO)
22. HEY JOE (JIMI HENDRIX)
23. PERFECT STRANGERS (DEEP PURPLE)
24. COMFORTABLY NUMB (PINK FLOYD)
25. BLACK DOG (LED ZEPPELIN)
26. MY GENERATION (THE WHO)
27. SUNDAY BLOODY SUNDAY (U2)
28. HAVE YOU EVER SEEN THE RAIN? (CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL)
29. IMAGINE (JOHN LENNON)
30. JOHNNY B. GOODE (CHUCK BERRY)
31. COME TOGETHER (THE BEATLES)
32. WE ARE THE CHAMPIONS (QUEEN)
33. NO MORE MR. NICE GUY (ALICE COOPER)
34. BREAKING ALL THE RULES (PETER FRAMPTON)
35. TIME (PINK FLOYD)
36. JUMP (VAN HALEN)
37. LET IT BE (THE BEATLES)
38. MONEY (PINK FLOYD)
39. SWEET HOME ALABAMA (LYNYRD SKYNYRD)
40. PARANOID (BLACK SABBATH)
41. CHANGES (BLACK SABBATH)
42. LIKE A ROLLING STONE (BOB DYLAN)
43. SOMEBODY TO LOVE (QUEEN)
44. SUSPICIOUS MINDS (ELVIS PRESLEY)
45. DON'T STOP BELIEVING (JOURNEY)
46. THE HOUSE OF THE RISING SUN (THE ANIMALS)
47. WE WILL ROCK YOU (QUEEN)
48. HEY JUDE (THE BEATLES)
49. WHOLE LOTTA LOVE (LED ZEPPELIN)
50. RAINBOW IN THE DARK (DIO)
51. ALL MY LOVE (LED ZEPPELIN)
52. WISH YOU WERE HERE (PINK FLOYD)
53. MONEY FOR NOTHING (DIRE STRAITS)
54. MERCEDES BENZ (JANIS JOPLIN)
55. MR. CROWLEY (OZZY OSBOURNE)
56. ROADHOUSE BLUES (THE DOORS)
57. IRON MAN (BLACK SABBATH)
58. ROCK AND ROLL (LED ZEPPELIN)
59. THE SPIRIT OF RADIO (RUSH)
60. MAMA (GENESIS)
61. YESTERDAY (THE BEATLES)
62. HIGHWAY TO HELL (AC/DC)
63. PET SEMATARY (RAMONES)
64. LAYLA (ERIC CLAPTON)
65. BAD COMPANY (BAD COMPANY)
66. ANGIE (ROLLING STONES)
67. LOVE AIN'T NO STRANGER (WHITESNAKE)
68. BLACK (PEARL JAM)
69. LOVE OF MY LIFE (QUEEN)
70. OWNER OF A LONELY HEART (YES)
71. THE NUMBER OF THE BEAST (IRON MAIDEN)
72. HERE I GO AGAIN (WHITESNAKE)
73. IS THIS LOVE (WHITESNAKE)
74. L.A. WOMAN (THE DOORS)
75. JAILBREAK (AC/DC)
76. FLY BY NIGHT (RUSH)
77. TWIST AND SHOUT (THE BEATLES)
78. UNDER PRESSURE (QUEEN)
79. STILL LOVING YOU (SCORPIONS)
80. SABBATH BLOODY SABBATH (BLACK SABBATH)
81. DREAMS (VAN HALEN)
82. LOVE HURTS (NAZARETH)
83. DETROIT ROCK CITY (KISS)
84. THE LOGICAL SONG (SUPERTRAMP)
85. EYE OF THE TIGER (SURVIVOR)
86. DUST IN THE WIND (KANSAS)
87. TIME STAND STILL (RUSH)
88. BROTHERS IN ARMS (DIRE STRAITS)
89. REVOLUTION (THE BEATLES)
90. NO MORE TEARS (OZZY OSBOURNE)
91. HURRICANE (BOB DYLAN)
92. MY SWEET LORD (GEORGE HARRISON)
93. LONDON CALLING (THE CLASH)
94. PROUD MARY (CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL)
95. NOVEMBER RAIN (GUNS N' ROSES)
96. WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS (JOE COCKER)
97. SUNSHINE OF YOUR LOVE (CREAM)
98. I LOVE IT LOUD (KISS)
99. BOYS DON’T CRY (THE CURE)
100. MOTHER (PINK FLOYD)

Veja aqui o ranking completo com as 1632 músicas, bem como um ranking por artista.

Sobre "Bandas de Baile" - sim, com aspas

2011-02-13T09:20:00.000-08:00

Depois de um longo hiato (2010 foi um ano intensamente positivo e negativo), vou tentar me disciplinar a postar as idéias musicais que me vêm à cabeça, bem como as resenhas de álbuns. Chega de enrolação e vamos ao que interessa.

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Ultimamente venho sendo acometido por um gosto por "Bandas de Baile". Em princípio, muita gente não vai entender esta primeira frase minha, tanto pelo termo banda de baile em si quanto pelas aspas, portanto vamos explicar as coisas por partes. Banda de baile (sem áspas) é aquele tipo de banda que toca de tudo (tudo mesmo, desde Frank Sinatra até Bonde do Tigrão) e que geralmente é atração de formaturas, casamentos e eventos de empresas. E quanto às aspas, você me perguntaria? Então, quando eu digo "banda de baile" me refiro a bandas famosas que mantêm as mesmas características principais de uma banda de baile. Confuso, não? Nem tanto, vocês vão ver.

Pra vocês entenderem melhor, me permitam falar um pouco sobre bandas de baile (sem aspas). Estas bandas geralmente são um pouco subjugadas por quem não é "do ramo" por tocarem músicas muito populares. Mas é este o grande objetivo deste tipo de banda: tocar músicas pra fazer a galera agitar. Porém, quem é "do ramo" sabe da qualidade dos músicos deste tipo de banda. Os caras têm que ter em mente um repertório GI-GAN-TES-CO, têm que estar por dentro das novidades das rádios, têm que ter jogo de cintura pra lidar com imprevistos num show, têm que ter presença de palco e carisma e têm que trabalhar com arranjos complexos (voz, backing vocals, guitarra, baixo, bateria, violão, teclados, metais...).

Voltando agora às "bandas de baile" (com aspas). Muitas bandas famosas têm muitas semelhanças com as bandas de baile, seja por fazer um som mais Pop e com qualidade (não com um repertório tão abrangente quanto as bandas de baile, obviamente) ou pela estrutura complexa de arranjos. Mesmo não fazendo músicas com letras complexas ou com virtuosismo em seus instrumentos, são bandas de musicalidade inquestionável. Vou aqui mostrar algumas bandas que se encaixam neste perfil.

O melhor exemplo é o Roupa Nova. Eles começaram justamente como banda de baile lá nos anos 80 e também trabalhavam como músicos de estúdio em gravações com outros artistas. Este pool de músicos experientes formou a banda que ganhou notoriedade com as inúmeras trilhas sonoras de novelas da Globo. Apesar das críticas sobre as letras extremamente melosas; a técnica apurada do Sergio Herval, o senso de harmonia e melodia dos tecladistas Ricardo Feghali e Cleberson Horsth, a pegada do baixo do Nando, o "shreddismo" do Kiko e as harmonias vocais do grupo como um todo tornaram a banda um grande exemplo de como fazer música Pop de qualidade.

Na terra do Tio Sam podemos falar sobre o Toto. O Toto tem algumas semelhanças com o Roupa Nova, principalmente no que diz respeito à sua formação: figurinhas carimbadas de estúdio que se juntaram para formar uma mega-banda. Bobby Kimball (voz), Steve Lukather (guitarra e voz), Mike Porcaro (baixo), David Paich (teclados e voz) e Jeff Porcaro (bateria) formaram uma banda que se aventurou por vários estilos, dentre eles Jazz, ritmos latinos, Rock, Prog, Soul... Esta mistureba toda conquistou fãs pelo mundo todo e produziu clássicos como Africa, Rosanna e Hold the Line.

O Tears for Fears é outra destas "bandas de baile". Eu "descobri" esta banda recentemente, através de um DVD "extra-oficial" gravado em 1991. Não tinha noção de como esta banda fez sucesso nos anos 80 e de como ela até hoje faz sucesso - basta ligar na Alpha FM e em 30 minutos você escutará algum dos sucessos como Head Over Heels, Shout, Woman in Chains ou Everybody Wants to Rule the World.

Pra finalizar, vamos dar uma passadinha na Inglaterra para lembrar do Dire Straits. Formada pelos irmãos Knopfler no finalzinho dos anos 70, a banda tinha que ter um repertório de bom gosto, senão pegaria mal para o Mark Knopfler, ex-crítico musical. Este vídeo abaixo mostra bem o que é um arranjo extremamente bem feito. Com diz o Faustão, quem sabe faz ao vivo!

Acoustic Heroes

2010-03-21T17:25:00.000-07:00

Depois do surgimento dos games para tocar guitarra virtual (primeiro a série Guitar Hero, depois a série Rock Band), o termo guitar hero se popularizou. Hoje qualquer um pode fazer a associação deste novo termo com músicos como Slash, Van Halen, Jimmy Page, Jimi Hendrix e outros.

Mas uma habilidade destes grandes músicos muitas vezes passa desapercebido para aqueles fãs que esperam um soco no peito desferido por um potente amplificador de guitarra. E esta habilidade aparece quando eles desligam tudo da tomada. Vejamos alguns vídeos interessantes.

É claro que o começo tinha que ser com o mestre Jimi Hendrix. Neste vídeo ele debulha um violão de 12 cordas - para os desavisados, é necessária uma pegada monstruosa pra tocar tudo isso aí.

Avançando para os anos 70 chegamos ao álbum Led Zeppelin III, do Led Zeppelin, álbum marcado por uma sonoridade mais acústica. Dentre as músicas do disco está Tangerine, música que pode ser um motivo de orgulho nacional pois foi gravada com uma craviola, instrumento de doze cordas semelhante ao violão e de origem brasileira. PS.: Infelizmente não achei uma performance ao vivo com a craviola, pois o Page geralmente usava a famosa Gibson EDS-1275 (a double neck) para as performances ao vivo desta música.

Dando um pulo direto para os anos 90, chegamos a duas bandas compostas por virtuosis: o Extreme (do guitarrista Nuno Bettencourt) e o Mr. Big (do baixista Billy Sheehan e do guitarrista Paul Gilbert). A versão de Hole Hearted do vídeo conta ainda com a participação de John Paul Jones, baixista do Led Zeppelin.

E para encerrar com uma surpresa, uma aparição de Joe Satriani com um simples violão - e com cabelo!

O violão faz parte do aprendizado de muitos guitarristas. É com ele que os caras aprendem os primeiros acordes, treinam as primeiras técnicas e tudo mais. E mesmo depois do desenvolvimento como guitarristas, eles ainda chegam em casa, pegam o violão encostado no canto do quarto e tiram algumas notas despretenciosas. Esta é a grande mágica do violão: a musicalidade portátil, a simplicidade e ao mesmo tempo a riqueza de seus recursos. Só quem tem muitos anos de estrada pra entender esta magia - e é por isso que meus poucos anos como violeiro/guitarreiro não são suficientes para dar tal explicação.

Motel para fãs do Pink Floyd

2010-03-13T12:08:00.000-08:00

Primeiramente, queria pedir desculpas aos meus (poucos) seguidores. A vida atribulada de último-anista de Engenharia me roubou muito tempo nas últimas semanas, - eufemismo para últimos dois meses - o que me levou a abandonar um pouco este blog. Espero poder recompensar este hiato com algumas postagens um pouco mais frequentes, mas não encarem isto como uma promessa. E para voltar, uma volta em grande estilo, com um post que eu planejava há bastante tempo.

Como todo bom itaquerense, passo frequentemente pela Radial Leste, uma das principais vias de São Paulo, que liga Guianazes (extremo leste) ao centro da cidade. Esta via na verdade é composta de várias ruas e avenidas onde cada uma começa onde a outra termina: Avenida Alcântara Machado, Viaduto Pires do Rio, Rua Melo Freire, Avenida Conde de Frotin, Avenida Antônio Estêvão de Carvalho, Avenida Doutor Luís Aires e Avenida José Pinheiro Borges. E nas várias passadas por esta via, uma coisa curiosa não poderia ficar desapercebida: a pintura do portão de um motel. Vejam algumas fotos:

Mudando de assunto - mas nem tanto assim. Dia 28 de março de 1994 foi lançado o álbum The Division Bell, o 12º e último álbum do Pink Floyd - já há muito tempo sem o baixista da formação original, Roger Waters. O álbum fala basicamente sobre comunicação. Eis a capa do álbum:

Há!! Como diria o mestre Zagallo:

Fica o questionamento: o que leva um dono de motel/drive-in a pintar a capa de um disco de Rock Progressivo no portão de seu estabelecimento? Das duas uma: ou o cara é muito fã da banda e quis homenageá-la no lugar de trabalho ou não tem nem noção do que significa aquilo. Venhamos e convenhamos: relacionar Pink Floyd e os prazeres da carne não é lá uma estratégia de Marketing das mais bem sucedidas.

Bom, moças fãs de Pink Floyd interessadas em fazer um test-drive, estou disponível a negociações. Podemos aproveitar a oportunidade e completar esta foto:

Quase Famosos: Uma Viagem à Época de Ouro do Rock

2010-01-03T12:02:00.000-08:00

Domingo, 3 de dezembro de 2009, 00:48. Momento extremamente incomum para escrever um texto, considerando que pessoas “normais” estão curtindo a noite na balada ou nas praias, ou na pior das hipóteses dormindo. Mas minha opção desta noite foi diferente. Acabei vindo tomar conta da minha avó, que está doentinha, e “peguei o notebook da minha irmã emprestado sem ela saber” para ver uns filmes. Dentre as opções de filme havia REC e Quase Famosos. Optei pelo segundo, por conselho do meu cunhado. Agora, às 00:52, posso dizer que esta escolha fez a minha noite valer a pena. Tanto que reservei um tempo na madrugada para refletir e escrever este texto.

O filme, em poucas palavras, conta a história de um garoto (Willie) que escreve textos sobre música para jornais locais sem muita expressão – qualquer semelhança com o indivíduo que vos fala não é mera coincidência. Ele conhece um escritor de uma revista de maior porte, a Cream, que o convida para escrever um texto sobre o Black Sabbath – ah, o filme se passa em 1973. Indo ao show da banda pioneira do Heavy Metal, Willie faz contatos com uma banda de menor expressão, o Stillwater, e a partir daí passa a acompanhar a rotina da turnê da banda. O conflito do filme gira em torno de uma proposta que o garoto recebe para escrever um artigo para a Rolling Stone, fazendo com que ele fique dividido entre o profissionalismo e a amizade que cria com o grupo.

Para os fãs de Rock n’ Roll, o filme é um prato cheio. A começar pela trilha sonora: Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple, Yes, etc. Cenas com o ônibus na estrada com clássicos acústicos como Tangerine ao fundo são de comover qualquer roqueiro de meia idade. Mas o que chama mais a atenção é a realidade de uma banda na estrada e todos os clichês que nós imaginamos (ou não): groupies (groupies não, “ajudantes da banda”), disputas de ego, conflitos existenciais, problemas com drogas, conflito com empresários e com imprensa, dentre outros. Tudo isto trás um imenso sentimento de nostalgia com relação à época mais idealista do Rock, quando os conflitos contra o capitalismo que o cercava chegaram ao auge.

No meio deste caldeirão está o garoto Willie, criado por uma mãe viúva mão-de-ferro que às duras penas cedeu às vontades do filho em seguir a banda. O que era pra durar alguns dias se estendeu por semanas, sempre com o garoto no encalço do guitarrista Russel Hammond tentando obter uma entrevista. Pra piorar, ele assiste a groupie Peny Lane (“Penny lane is in my ears and in my eyes [...]”), pela qual se apaixonou, se derreter por Russel.

É um filme saudosista, mas ao mesmo tempo crítico – uma crítica mais polida, e não uma sátira como outro filme clássico sobre o Rock, This Is Spinal Tap. A crítica gira principalmente em torno do trabalho feito com a imagem das bandas. Além de ajudar na compreensão de como uma banda pode subir e descer o elevador da fama com a mesma facilidade, ele ainda dá aquele gostinho de reviver os anos dourados do Rock n’ Roll – ou matar os mais novos de inveja, no meu caso.

Domingo, 3 de dezembro de 2009, 01:14. Fim do texto. Bem que a Rolling Stone poderia dar uma olhadinha por aqui...

1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer: A Bíblia da Música

2010-01-02T07:53:00.000-08:00

Toda cabeceira deve começar com um livro sagrado, independente do credo da pessoa. Para mim, devoto da música, este livro é o 1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer.

O livro trás, em 949 páginas, mini-resenhas de 1001 álbuns que vão desde In The Wee Small Hours (Frank Sinatra, 1955) até Myths of the Near Future (The Klaxons, 2007), divididas em capítulos relativos a cada década (de 1950 a 2000) - o curioso é a página inicial de cada capítulo, que trás uma imagem que traduz o modo pelo qual as pessoas escutavam música em cada época (da vitrola ao iPod). A maior parte das resenhas vem acompanhada com a lista de músicas do disco, e algumas delas vêm com comentários dos próprios músicos envolvidos e fotos da banda em questão. O livro é bastante democrático, listando vários estilos, dentre eles R&B, Soul, Funk (não o funk carioca, o funk de verdade, dos anos 70), MPB (sim, o Brasil marca presença, e de maneira significativa), Rap e Hip Hop. É claro que o Rock e a música Pop em geral dominam boa parte do livro.

O título parece pretensioso, mas depois de ler boa parte do livro esta carga de pretensão cai pela metade. Mas também não se pode apedrejar o autor do livro, já que a coletânea de resenhas foi feita nos Estados Unidos, ou seja, numa realidade musicológica diferente da realidade brasileira. A consequência disto é que muitos álbuns listados sequer fazem parte do conhecimento geral do público brasileiro - destaco os vários álbuns do The Kinks, os muitos álbuns de bandas alternativas dos anos 90 e 00, dentre muitos outros exemplos. Em contrapartida, muitos álbuns passaram desapercebidos, como o clássico Breakfast in America (Supertramp, 1979), Alive! (Kiss, 1975), dentre outros. Outro álbum que chamou a atenção pela falta de destaque foi o Pet Sounds (Beach Boys, 1966), preterido em relação a outro álbum dos Beach Boys.

Mas calma, fiquem tranquilos! Com este livro pode-se, tranquilamente, fazer um top 100 com os discos mais importantes da história da música. Dada a minha veia roqueira, vou fazer um top 10 dos álbuns mais importantes da história do Rock - aqueles álbuns que são quase obrigatórios de se escutar para se dizer entendido no mundo do Rock. Segue a lista:

01. Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band (Beatles, 1967)

02. The Dark Side of the Moon (Pink Floyd, 1973)

03. Are You Experienced (Jimi Hendrix Experience, 1967)

04. Back in Black (AC/DC, 1980)

05. A Night at the Opera (Queen, 1975)

06. Led Zeppelin IV (Led Zeppelin, 1971)

07. Nevermind (Nirvana, 1991)

08. Ramones (Ramones, 1976)

09. Never Mind the Bollocks Here's Sex Pistols (Sex Pistols, 1977)

10. Elvis Presley (Elvis Presley, 1956)

Nota Musical X: Os 10 álbuns mais importantes dos anos 2000

2009-12-31T06:04:00.000-08:00

Último dia de 2009... e muitos sequer lembraram que hoje também é o último dia da década de 00 (ou dos anos 2000, pra ficar menos estranho)! Seguindo a moda das retrospectivas e afins, tecnicamente já é possível fazer listas sobre esta década que se acaba. Sendo este blog um blog sobre música - mais especificamente sobre "álbuns de cabeceira" - nada mais justo do que fazer uma listinha dos 10 discos mais importantes do Rock na década.

Adotei como referência bibliográfica o livro 1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer, do escritor Robert Dimery, que lista 1001 discos essenciais na história da música. Tudo bem, ele só vai até 2007, mas já serve de boa referência. Além do mais, é difícil entender a importância de álbuns lançados há apenas alguns anos... E lembrem-se: estou falando de importância, e isso pressupõe sucesso, influência, coerência com o cenário musical da época, etc. Coisas muito boas/legais podem ficar de fora, mas isso não significa que o que está na lista é ruim/chato demais. Também não adianta colocar na lista o álbum instrumental de uma banda de Rock Paquistanês, por melhor que ele seja, se ele não é de domínio popular.

Bem, segue minha lista. E que venha o apedrejamento.

01. American Idiot (Green Day)

02. All That You Can't Leave Behind (U2)

03. Is This It (The Strokes)

04. Parachutes (Coldplay)

05. Elephant (White Stripes)

06. Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (Arctic Monkeys)

07. In Rainbows (Radiohead)

08. Franz Ferdinand (Franz Ferdinand)

09. Hot Fuss (The Killers)

10. Hibrid Theory (Linkin Park)

Stanley Jordan faz show para 17 pessoas em São Paulo

2009-12-16T17:27:00.000-08:00

O professor de guitarra Felipe Cavalcanti, de 28 anos, passou boa parte do domingo em ônibus e trens. Mais precisamente, uma hora e meia para ir (e provavelmente outra hora e meia para voltar) do Morumbi até Guaianases, no extremo leste de São Paulo - e tudo isso debaixo de uma insistente garoa. Tudo isso para ver o americano Stanley Jordan, um dos maiores guitarristas de jazz do planeta.

Jordan foi a principal atração da mais recente edição da Quebrada Cultural. O evento, inspirado na Virada Cultural que acontece na região central, leva diversas atrações culturais à periferia paulistana, sempre com entrada gratuita. Neste final de semana, o festival aconteceu em dois locais: além de Guaianases, na zona leste, também no Grajaú, no extremo sul da capital paulista.

Era de se esperar que a presença de um dos maiores guitarristas do mundo, num show gratuito e numa área carente de atrações culturais, atraísse um grande público. Mas não foi isso que aconteceu na Praça de Eventos de Guaianases, nome imponente que batiza uma espécie de estacionamento às margens do Ribeirão Itaquera: pouco antes de sua apresentação começar, havia exatamente 17 pessoas na plateia. Isso mesmo, 17.

Felipe Cavalcanti era uma delas. Junto com os amigos Kátia Arteiro e Carlos Alberto, atravessou a cidade inteira só para ver o guitarrista. Eram parte da metade do público que claramente era fã de Jordan. A outra metade era formada por curiosos. "A gente queria que tivesse mais gente aqui. Mas quem está aqui, está de coração", afirmou o mestre de cerimônia da festa, pouco antes do show começar.

O professor de violão Wilson Sarmento, de 54 anos, tinha algumas explicações para o pequeno público. "Isso aqui foi muito mal divulgado. Eu mesmo só fiquei sabendo por acaso, quando procurava informações sobre um outro show", conta. Ele também teve dificuldades para encontrar o local da apresentação. "A sinalização está péssima. E olha que eu conheço bem essa região", criticou.

Uma integrante da organização do evento, que preferiu não se identificar, também apontou a divulgação insuficiente como principal culpada pelo fracasso de público. Outro fator importante, segundo ela, foi trazer um artista desconhecido da população da região. "Eu sei que isso pode parecer preconceituoso, mas o pessoal aqui só quer saber de pagode e rap. Aqui ninguém sabe quem é esse cara", disse.

O diagnóstico poderia fazer algum sentido se Stanley Jordan fosse a única atração da Quebrada Cultural. Mas, antes dele, apresentaram-se cantoras como Vanessa Jackson (vencedora da primeira edição do reality show Fama) e Quelynah (uma das estrelas da minissérie Antonia), e mesmo assim a plateia não passava das 50 pessoas.

Jordan, é importante dizer, comportou-se como se tocasse para um estádio lotado. É verdade que, às vezes, dava olhares desanimados para o horizonte. Mas mostrou um profissionalismo exemplar ao ajustar o som até que ele estivesse de acordo com sua vontade. O que levou cerca de 40 minutos e irritou produção e parte do público, mas fez com que sua guitarra fosse ouvida com clareza pelas 17 pessoas que ali estavam.

Ele tocou junto com dois brasileiros: Dudu Lima, baixista que o acompanha há algum tempo, e Ivan Conti (vulgo Mamão), um dos maiores bateristas do Brasil. O show durou pouco mais de uma hora, e teve como pontos altos as impressionantes versões de "Insensatez" e "Eleanor Rigby". Uma bela amostra da técnica única de Jordan, que toca as cordas de sua guitarra como se fossem as teclas de um piano.

No final, um sorriso tímido e nada de bis. Para os poucos e insistentes fãs, ficou a lembrança de um grande show e a expectativa de um longo caminho de volta para casa.

Fonte: http://musica.ig.com.br/noticias/2009/12/14/stanley+jordan+toca+para+17+pessoas+em+guaianases+9233246.html

Nota musical IX: Fingerstyle

2009-11-16T10:26:00.000-08:00

Nos últimos meses venho me impressionando com a musicalidade e a técnica de certos violonistas de um estilo que vem aparecendo no cenário mundial: o fingerstyle. Trata-se de um estilo em que o violão assume todos os papéis numa música, sendo o responsável pelo baixo, melodia, harmonia e até pelo ritmo.

Meu primeiro contato com este estilo foi durante as aulas de violão. Quando comecei a enveredar pelo violão clássico, meu professor sempre vinha com alguns arranjos instrumentais para músicas "populares", e uma que me chamava atenção era Your Latest Trick, do Dire Straits. Desde então sempre procurei abstrair o arranjo de algumas músicas para uma versão fingerstyle, mas consegui montar apenas dois ou três arranjos legais.

Seguem alguns vídeos de alguns violonistas do estilo mais famosos no Youtube:

Eu e o Hudson Cadorini - Só pra encher linguiça...

2009-11-14T15:36:00.000-08:00

Faz um bom tempo que não escrevo por aqui. Trabalhos na faculdade, processos seletivos pra estágio (nos quais, inclusive, eu menciono que mantenho um blog, portanto estou correndo risco de alguém entrar aqui e ver que não ando postando), provas de Vibrações e Transferência de Calor... tudo isso tem me tirado do Álbuns de Cabeceira.

Bem, o ponto principal desta postagem é uma foto que eu estava devendo pra vocês desde a postagem sobre o show do Edson & Hudson. Isso foi em agosto, e só agora consegui a famigerada foto com o mestre Hudson Cadorini. Parece um assunto ínfimo, mas diante das circunstâncias ele merece uma postagem especial.

PS.: Sim, eu fui no show do Edson & Hudson com uma camiseta do Rush.

Nota Musical VIII: A História de Bohemian Rhapsody

2009-10-24T18:02:00.000-07:00

Navegando pela nossa amiga "internê", achei um documentário sobre um dos maiores clássicos do Rock: Bohemian Rhapsody, do álbum A Night at the Opera (1975), do Queen. Na verdade o documentário é quase um documentário sobre a história da banda como um todo, mas boa parte de seu conteúdo trata do processo de criação e gravação de Bohemian Rhapsody.

Seguem os links dos vídeos no Youtube, dublados em português "manuelístico":

PS1: Para os desinformados, "vídeo disco" nada mais é do que vídeo clipe.
PS2: Aprendi a colocar vídeos no blog! Todos os vídeos do blog que eram citados através de links foram substiuídos por links diretos do Youtube.

Snakes & Arrows (Rush) - Ainda há muita lenha pra ser queimada...

2009-10-10T18:37:00.000-07:00

Caros (e raros) leitores deste blog, devo minhas desculpas a vocês. As tarefas da faculdade têm me consumido de tal maneira que não tenho tido muito tempo de postar por aqui. Bem, agora consegui um tempo pra escrever um pouco e não deixar este blog em branco por um mês.

No dia 1º de maio de 2007 foi lançado o álbum Snakes & Arrows, o 18º álbum de estúdio do Rush. Os anos vão passando e estes três canadenses (Geddy Lee no baixo, vocais e sintetizadores; Alex Lifeson na guitarra e Neil Peart na bateria) continuam surpreendendo com sua criatividade e talento mesmo após passarem da barreira do meio século de vida e dos 35 anos de carreia.

Este álbum foi o primeiro lançamento de inéditas desde 2002, ano de lançamento do Vapor Trails (2002). Neste intervalo de 5 anos as atividades foram intensas: a turnê do Vapor Trails (a primeira depois da volta de Neil Peart), a gravação do show que gerou o Rush in Rio e a comemoração dos 30 anos de carreira em 2004 (com a gravação do disco de covers Feedback e do DVD ao vivo R30). Depois de um tempo de folga, eles voltaram ao estúdio sob a produção de Nick Raskulinecz (produtor de bandas como Foo Fighters e Velvet Revolver), sendo este jovem produtor uma peça fundamental em alguns detalhes da composição deste álbum - mais adiante deixarei as coisas mais claras. Estas experiências nostáligcas vividas nos 5 anos anteriores somadas ao entusiasmo de um jovem produtor fanático pela banda são a essência deste 18º álbum da banda.

O Snakes & Arrows, assim como outros trabalhos do Rush, apresenta um tema principal. Desta vez, a religião e a espiritualidade tomaram mais espaço nas idéias de Peart. Outro aspecto interessante é a presença maciça de violões e outros instrumentos acústicos, - até mandola e bouzouki, um instrumento de origam grega - presença esta devida ao estilo acústico de composição adotado por Alex. A sonoridade crua é a grande marca deste trabalho, mas não se trata de um cru pesado como nos anos 90, e sim uma crueza mais orgânica, inspirada nos anos 70 mas com uma roupagem moderna.

O título do álbum (originalmente tirado do primeiro verso de Armor and Sword) tem relação com um jogo budista chamado Leela (ou Snakes & Ladders, como é conhecido pelos ingleses), jogo este que é uma metáfora do karma. Esta ligação originou a arte da capa, que consiste no tabuleiro deste jogo milenar.

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Nome do álbum: Snakes & Arrows
Lançamento: 2007
Músicas:
01. Far Cry
02. Armor and Sword
03. Workin' Them Angels
04. The Larger Bowl
05. Spindrift
06. The Main Monkey Business
07. The Way the Wind Blows
08. Hope
09. Faithless
10. Bravest Face
11. Good News First
12. Malignant Narcissism
13. We Hold On

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01. Far Cry
Far Cry já nasceu um clássico, o que justifica sua escolha como primeiro single do álbum. Ela é bem representativa de uma característica curiosa deste álbum: o retorno a algumas características antigas da banda. A introdução sincopada faz referência à época mais prog da banda, o acorde de transição é exatamente o mesmo acorde inicial de Cygnus X-1: Hemispheres (inclusive gravado com a mesma guitarra) e o clipe faz referências à música Red Barchetta, do álbum Moving Pictures (1981). E nela entra um dedo do Nick: o "solo" de bateria no final foi sugestão dele, prontamente aceita por Neil Peart.

02. Armor and Sword
Esta música é a primeira que toca no assunto religião, porém de maneira bem discreta. Talvez seja uma alusão às loucuras cometidas pelos fanáticos religiosos - o verso No one gets to the heaven without a fight me leva a esta conclusão. Aqui aparecem os primeiros violões mais "crus" do álbum. As harmonias vocais do Geddy Lee também merecem destaque - parece que a voz do cara melhora com o tempo, como se fosse vinho!

03. Workin' Them Angels
Workin' Them Angels tem um certo tom autobiográfico. Trata-se de uma reflexão de como a vida de Neil Peart como artista vem sendo posta em risco ao longo de todos estes anos de carreira, fazendo turnês e etc. Mas apesar dos riscos, muitas coisas boas foram vivenciadas também. Novamente os elementos acústicos aparecem, desta vez com um inusitado solo de bouzouki. A letra desta música foi originada por alguns versos que iniciam o livro Traveling Music, escirto por Neil Peart e que trata basicamente de aventuras vividas em turnês - está explicado o tom autobiográfico.

04. The Larger Bowl
Aqui há uma breve crítica social sobre as desigualdades sociais no mundo. Os arranjos são bem crus, com destaque para a voz e violão. Desta vez as letras vieram da época do livro Masked Rider, escrito por Neil Peart após uma jornada de bicicleta pela África nos anos 80.

05. Spindrift
Pra dizer a verdade, Spindrift é uma música bem estranha. Apesar do arranjo um tanto quanto psicodélico, trata-se de uma canção sobre problemas de relacionamento.

06. The Main Monkey Business
Eis a primeira instrumental do álbum. É um prato cheio para os audiófilos, músicos amadores e afins: arranos complexos, muitos instrumentos, passagens incomuns, ritmos diferentes, etc. Um fato curioso é que a gravação desta música foi feita ao vivo, com os três integrantes tocando juntos no estúdio. Além de evitar crises de insanidade ao tentar gravar faixas de tamanha complexidade usando o método convencional, uma gravação ao vivo dá asas à espontaniedade e à naturalidade de uma performance ao vivo. Aqui cabe uma pergunta: e este nome, daonde veio? Trata-se de uma expressão usada pela vó polonesa de Geddy...

07. The Way the Wind Blows
Uma das mais belas canções do álbum, quiçá de toda a carreira da banda. Boa parte do feeling da música vem das passagens bluesísticas e da pegada Rock n' Roll dos versos - diga-se de passagem, outra sugestão de Nick. A letra fala basicamente sobre conformismo, aludindo ao confirmismo espiritual. O refrão mostra bem esta idéia:

We can only grow the way the wind blows
On a bare and weathered shore
We can only bow to the here and now
On our elemental war
We can only grow the way the wind blows
We can only bow to the here and now
Or be broken down blow by blow

08. Hope
Para os que subestimam o papel de Alex Lifeson no Rush, aqui está uma prova do contrário. Ele já tinha uma outra peça acústica gravada, chamada Broon's Bane, gravada no álbum ao vivo Exit... Stage Left (1981); mas esta foi sua estréia solo em estúdio. Não há muito o que falar... simplesmente uma bela música folk instrumental que transmite a idéia de seu título: esperança.

09. Faithless
Nesta música fica explícita a idéia central de espiritualidade que o álbum trás. Ela trás as mesmas idéias de Free Will, do álbum Permanent Waves (1980): a defesa da livre expressão da espiritualidade e das crenças.

10. Bravest Face
Bravest Face fala sobre a noção de que tudo tem "um outro lado" escondido, muitas vezes inesperado porém não desprezível.

11. Good News First
Good News First trás em sua introdução mais um artigo dos áureos anos 60/70: o Mellotron (pra quem não sabe, o Mellotron foi um dos primeiros teclados eletromecânicos, produzido nos anos 60). Mais um bom trabalho dos vocais de Geddy Lee.

12. Malignant Narcissism
Esta música tem uma história interessante. Durante as gravações dos vocais, entre uma gravação e outra, Geddy Lee brincava com um baixo fretless (baixo sem os trastes, assim como os baixolões acústicos usados antes de aparecerem os baixos elétricos). Nick logo percebeu algo interessante nestas "brincadeiras" de Geddy e gravou alguns trechos com o microfone usado para gravar a voz. Empolgado, Nick fez a banda se reunir para gravar uma nova instrumental (a terceira do álbum) baseada nas idéias da "brincadeira" de Geddy. E assim nasceu MalNar (um apelido carinhoso dado pelos fãs), que lembra bastante YYZ pelos duelos entre baixo e guitarra.

13. We Hold On
We Hold On fala sobre persistência, refletindo sobre o que já se fez no passado e que poderia ter causado desistência. Esta música tem bastante a ver com toda a trajetória do Rush, que teve uma carreira baseada em pricípios próprios e independentes das pressões externas do mundo do show business.

É sempre bom ver (e principalmente ouvir) estes grandes talentos da música mundial ainda na ativa mesmo após muitos anos de carreia. E depois de todo este tempo, muitos querem saber qual é a receita da longevidade da banda - e acredite: em todas as entrevistas dos últimos 7 anos eles respondem esta mesma pergunta. A receita é simples: eles fazem o que gostam. Gravam um disco, fazem uma turnê (que nem precisou fazer muita força pra ser a maior turnê da história da banda, com mais de 100 shows em um ano e meio, chegando a ser listada no top 10 das maiores turnês da época) e tiram um descanso merecido.

Mais preparem-se, o outono está chegando no hemisfério norte e o power trio está voltando para os estúdios. Ninguém sabe o que esperar deste possível novo álbum, mas uma coisa é fato: eles ainda têm muita lenha pra queimar...

Nota Musical VII: Exposição da Calçada do Rock Brasileiro

2009-09-15T08:09:00.000-07:00

O projeto Rock Walk, criado pelo empresário Márcio Mota, é a versão brasileira da calçada da fama do Rock do Sunset Boulevard, na Califórnia. Ela já conta com diversos nomes do Rock nacional, como Dr. Sin, Paulo Ricardo, Nelson Mota (eu preciso tirar uma tarde pra trocar idéias com este cara!), Pepeu Gomes, Sepultura, Arnaldo Baptista, Mutantes, entre outros.

Esta calçada da fama brasileira está em "turnê" por vários shoppings do Brasil, e ontem eu conferi a exposição feita no Shopping Metrô Boulevard Tatuapé, em São Paulo. A exposição conta com as guitarras autografadas pelos músicos que já pisaram na calçada da fama (não são as guitarras dos caras, é óbvio...) e as placas com as marcas das mãos/pés destes artistas.

Vale a pena conferir a exposição, que vai até quarta-feira, dia 16/9. Caso você perca a oportunidade, ela percorrerá outras cidades do Brasil - Campinas e Ribeirão Preto estão no roteiro do interior paulista.

Serviço
RockWalk Brasil: http://www.rockwalk.com.br/
Shopping Metrô Boulevard Tatuapé: http://www.shoppingboulevardtatuape.com.br/

Nota Musical VI: Interpretando a letra de Beautiful (Marillion)

2009-09-08T13:24:00.001-07:00

Dias atrás escutei outra música do Marillion na Kiss FM, chamada Kayleigh. Só por ter nome de mulher já conclui-se que a música deve ser brega, ao estilão anos 80. Pois então, buscando esta música para download na internet eu achei outra música do Marillion, Beautiful, e acabei baixando também. Quando comecei a escutar Beautiful, pensei: "Nossa! Não sabia que esta música brega era deles também...". Mas depois, parando para analisar a letra, achei-a muito interessante a ponto de merecer uma postagem.

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Nome da música: Beautiful
Álbum: Afraid of Sunlight (1995)
Autor: Steve Hogarth, Mark Kelly, Ian Mosley, Steve Rothery e Pete Trewavas

Everybody knows that we live in a world
Where they give bad names to beautiful things
Everybody knows that we live in a world
Where we don't give beautiful things a second glance
Heaven only knows we live in a world
Where what we call beautiful is just something on sale
People laughing behind their hands while the fragile
And the sensitive are given no chance

And the leaves turn from red to brown
To be trodden down, to be trodden down
And the leaves turn from red to brown
Fall to the ground, fall to the ground

We don't have to live in a world
Where we give bad names to beautiful things
We should live in a beautiful world
We should give beautiful a second chance

And the leaves fall from red to brown
To be trodden down, to the trodden down
And the leaves turn green to red to brown
Fall to the ground, and get kicked around

You're strong enough to be...
Have you the faith to be...?
You're sane enough to be..
Honest enough to say...
Don't have to be the same...
Don't have to be this way
C'mon and sign your name
You wild enough to remain beautiful
Beautiful

And the leaves turn from red to brown
To be trodden down, trodden down
And we all fall green to red to brown
Fall to the ground, we could turn it around

You're strong enough to be..
Why don't you stand up and say?
Give yourself a break
They laugh at you anyway
So why don't you stand up and be Beautiful?

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A princípio, a letra pode parecer melosa devido ao título e ao fato de ser trilha sonora de muitos casais apaixonados. Mas a letra tem um significado mais profundo. O sentido principal da música é chamar a atenção de todos para as pequenas coisas que são, de fato, as coisas belas da vida. Alguns versos da primeira estrofe deixam esta idéia bem clara:

Todos sabem que vivemos num mundo
Onde dão nomes feios à coisas bonitas
Todos sabem que vivemos num mundo
Onde não dão uma segunda olhadinha às coisas bonitas

O refrão é um alerta, um apelo metafórico para que as pessoas aproveitem as coisas belas antes que elas se vão:

E as folhas mudam
Do vermelho para o castanho
Ficam abatidas e em baixo
Ficam abatidas e em baixo

Na estrofe seguinte há um apelo para que todos nós dediquemos pequenos momentos de nossa vida para as coisas belas:

Nós deveríamos viver num mundo bonito
Nós deveríamos dar ao bonito uma segunda chance

No finzinho da música há uma grande mensagem que geralmente não é inclusa na letra "oficial":

Preto, branco, ouro, vermelho e castanho
Nós estamos presos neste mundo
Sem lugar para onde ir
Olhando ao redor
Porque estás com medo?
Mostra-te do que és feito
Que sejas tu e que sejas bonito
Bonito

Pra finalizar, eu sugiro que você asista o clipe da música com a letra traduzida, é uma bela mensagem:

Edinho Santa Cruz e Banda no IV Festival de Inverno de Itapecerica da Serra

2009-08-31T14:28:00.001-07:00

Você provavelmente não conhece este indivíduo chamado Edinho Santa Cruz, muito menos a banda dele. Pra começar a refrescar a sua memória, vou dar duas dicas:
- Você escuta a rádio Kiss FM? Lembra daquelas propagandas "e neste sábado, no O Garimpo, Edinho Santa Cruz e Banda..."?
- Você não lembra quem era o comandante da banda do Faustão entre 2000 e 2004?

Bem, a resposta para as perguntas anteriores é a seguinte: sim, é ele mesmo. O Edinho Santa Cruz é um músico que já tem muita estrada, inclusive com experiências internacionais. Apareceu em programas de calouros, tocou em diversos programas de TV (Fantástico, Programa da Hebe, Domingão do Faustão, Perdidos na Noite, dentre outros) e fez parcerias com nomes ilustres da música mundial como Maurice Gibb (Bee Gees) e Denny Serafine e Laudir de Oliveira (Chicago).

O último trabalho de Edinho Santa Cruz e sua banda é o Na Estrada do Rock - In Concert, show gravado em São Bernardo com o acompanhamento da orquestra regida pelo Maestro Paulo Serino da Cruz e com participações do coral infantil da Fundação Salvador Arena e do guitarrista Márcio Sanches (Queen Cover). Neste show, Edinho e sua banda - Cillinho Siqueira (teclados, piano e voz), Glenio Salerno (bateria e voz) e Sandro de Lunna (baixo, violão e voz) - tocam grandes clássicos do Rock que vão desde Beatles até Van Halen.

Nos últimos anos, várias cidades do interior de São Paulo têm investido em festivais de inverno como atrações turísticas. Esta idéia já é relativamente antiga, e veio com a pioneira Campos do Jordão, que este ano comemorou a 40a. edição de seu festival de inverno. Outros festivais badalados são o de Paranapiacaba e o de Ribeirão Pires (no caso desta última cidade, o festival é do chocolate). Estas festas contam sempre com barracas com iguarias típicas da região e com atrações musicais durante todo o dia. Em julho tive a oportunidade de assistir shows do Bruno & Marrone e do Falamansa no V Festival do Chocolate de Ribeirão Pires e pude notar que lá a estrutura era muito legal - mas as atrações não chegavam a ponto de merecer uma resenha.

Entretanto, a estrutura do IV Festival de Inverno de Itapecerica da Serra era bem menor. Haviam poucas barracas e a estrutura de palco era pequena, tudo na pracinha da igreja matriz. Apesar da simplicidade da organização, o lugar era bem acolhedor e ajudou para dar aquele gás extra na sinergia artista-público. Ontem foi o último dia do festival.

Aproximadamente 80% do repertório tocado faz parte do DVD gravado em São Bernardo. O quarteto abriu com Live And Let Die (Paul McCartney), seguida de Confortably Numb (Pink Floyd) e You Can Leave Your Hat On (Joe Cocker). A respeito desta última música, houve um fato pitoresco: desde o momento em que pisou no palco vestindo um saiote escocês, o baixista Sandro de Lunna foi ridicularizado por alguns moleques da platéia - apesar do porte físico avantajado e dos cabelos longos de headbanger. Bastou ele começar a cantar o clássico de Joe Cocker com seu vocal quase gutural à la Lemmy que a molecada encheu as calças. A primeira novidade no repertório veio com Still Loving You (Scorpions). Depois se seguiram clássicos de bandas como Creendance Clearwater Revival, Rolling Stones e Queen.

A música How Can I Go On (Queen) merece um destaque especial para os arranjos vocais. Só o fato de todos os membros da banda cantarem, não só como segundas vozes mas como vocalistas principais, já chama muita atenção. Como se não bastasse, Edinho tira vozes com baixos teores de testosterona em músicas como esta do Queen e em Concerto Para Uma Voz (esta última não foi tocada no show de ontem).

Outros sons de bandas clássicas como Deep Purple, Led Zeppelin e Pink Floyd levaram muitas pessoas de cabelos mais grisalhos a relembrar seus bons tempos. E um momento legal do show foi a homenagem aos 20 anos da morte de Raul Seixas. Os tradicionais clamores de "Toca Raul!" foram atendidos com um medley composto por músicas como Guita, Quem Não Tem Colírio Usa Óculos Escuros e Tente Outra Vez.

Ao longo do show ocorreram alguns problemas de som, mas nada fora do comum (falta de retorno para os músicos, microfonias, mau contato de cabos...). Mesmo assim, a qualidade do som estava boa em vista do porte do evento. O mais chato do show foi a molecada disposta somente a chamar atenção gritando "Maiden, Maiden...", fazendo bate-cabeça ao som de Paul McCartney (?????) ou enchendo o saco do baixista-escocês. É... nessas horas o músico tem que ter muito jogo de cintura.

Outro momento legal foi o momento "Se Vira Nos 30". Nesta hora, rolaram improvisações bem pitorescas: Cillinho tocando Asa Branca com o nariz, seguida de uma versão headbanger da mesma música e de firulas com o Edinho e o Sandro tocando seus instrumentos nas costas e com os dentes. Mais tarde houve também um pequeno solo de bateria, no qual Glenio Salerno mostra influências claras do mestre Neil Peart.

Eu, como músico amador que já tocou em banda deste estilo, admiro pra caramba o trabalho destes caras. É muito difícil montar um repertório desta variedade, reproduzir os arranjos originais ao vivo (principalmente no quesito voz) e ainda agradar a maioria do público. E, além de tudo isso, os caras são músicos da melhor qualidade e conseguem manter uma sintonia com o público que é fascinante. Garanto que muitos dos expectadores, assim como eu, se sentiram como se estivessem vendo toda a história do Rock n' Roll passando na frente de seus olhos.

PS1.: Mais uma vez, perdão pelas fotos ridículas. Realmente, não dá pra fazer cobertura fotográfica com câmera de celular, ainda mais com uma árvore bem em frente do palco.

PS2.: Seguem algumas fotos retiradas do site
www.itapecericaweb.com.br.

Nota Musical V: Interpretando a letra de Show Me the Way (Peter Frampton)

2009-08-28T08:17:00.001-07:00

O primeiro off topic deste blog foi uma análise da letra de uma música. A partir de agora, sempre que pintar na minha cabeça alguma letra legal pra analisar, vou fazer a análise sob o título de Nota Musical. Desta vez o alvo é Show Me the Way, do guitarrista solo Peter Frampton.

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Nome da música: Show Me the Way
Álbum: Peter Frampton (1974)
Autor: Peter Frampton

I wonder how you're feeling
There's ringing in my ears
And no one to relate to 'cept the sea
Who can I believe in?
I'm kneeling on the floor
There has to be a force
Who do I phone?
The stars are out and shining
But all I really want to know...

Oh won't you show me the way
I want you to show me the way

Well, I can see no reason
You're living on your nerves
When someone drops a cup and I submerge
I'm swimming in a circle
I feel I'm going down
There has to be a fool to play my part
Someone thought of healing
But all I really want to know...

Oh won't you show me the way
I want you to show me the way
I want you day after day

I wonder if I'm dreaming
I feel so unashamed
I can't believe this is happening to me
I watch you when you're sleeping
And then I want to take your love

Oh won't you show me the way
I want you to show me the way
I want you day after day

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Tradução: Mostre-me o Caminho

Eu adivinho o que você está sentindo
Está rondando meus ouvidos
E ninguém para eu contar, exceto o mar
Em quem eu posso acreditar?
Estou me ajoelhando ao chão
Deve haver uma força
Para quem eu telefono?
As estrelas estão lá fora brilhando
Mas tudo o que eu quero é saber

Você não vai me mostrar o caminho?
Eu quero que você me mostre o caminho

Bem, não consigo ver razão
Você está vivendo nos nervos
Quando alguém derruba um copo e eu me afogo
Estou nadando num círculo
Eu sinto que estou descendo
Deve haver um idiota que pra fazer meu papel
Alguém pensou que fosse uma recuperação
Mas tudo o que eu quero é saber

Você não vai me mostrar o caminho?
Eu quero que você me mostre o caminho
Eu quero você dia após dia

Eu acho que estou sonhando
Me sinto tão desinibido
Eu não acredito que isto está acontecendo comigo
Eu assisto você enquanto você dorme
E então eu quero seu amor

Você não vai me mostrar o caminho?
Eu quero que você me mostre o caminho
Eu quero você dia após dia

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A música parece ser feita para uma mulher. Em vários momentos o eu-lírico (nossa, esse termo me lembra os tempos de colégio) demonstra não entender a mente feminina: ele não sabe o que ela está pensando, nem porque ela está tão brava por nenhum motivo aparente e depois não entende sequer como a conquistou. Por isso ele repete constantemente nos refrões o título da música, pedindo à mulher que ela lhe "mostre o caminho" para que ele a entenda.

Nota Musical IV: O processo de amadurecimento musical

2009-08-21T07:37:00.000-07:00

Em várias conversas sobre música com amigos meus eu comecei a reparar que sou um pouco "do contra": com relação a bandas que têm fases distintas, gosto mais das fases recentes, as quais geralmente são mais criticadas por serem mais "pop". Parando pra pensar a respeito, comecei a elaborar uma "tese" a respeito do amadurecimento musical. E é sobre ela que eu vou teorizar um pouco nesta postagem.

Eu acredito que todos os músicos passam por um processo de amadurecimento musical. Veja bem, isto não significa que o músico muda de estilo ou melhora/piora em termos de qualidade, simplesmente mudam a abordagem da sua obra. Este amadurecimento pode ser observado claramente na obra do músico, porém dificilmente esta mudança de abordagem é interpretada como um amadurecimento. De maneira geral, este amadurecimento musical gera críticas principalmente dos fãs, pois estes sempre esperam que o seu ídolo continuem "falando a mesma língua" deles, através da música. A mudança não ocorre só para o músico, o fã também tem que se adaptar à nova abordagem de seu ídolo para entender a mensagem que ele quer transmitir.

Existem infindáveis exemplos de bandas que sofreram este processo. Eu vou falar um pouco sobre Rush (é claro...), Metallica, Pink Floyd e Yes.

Começando com o Metallica, que é um dos casos mais famosos. O Metallica surgiu no começo dos anos 80 como banda de Heavy Metal (ou Speed Metal, como costumam especificar os metaleiros), lançando os furiosos álbuns Kill 'em All (1983), Ride the Lightning (1984) e Master of Pupets (1986), sendo este último considerado uma obra-prima da banda. Depois do lançamento de Master of Pupets, o baixista Cliff Burton morreu num acidente com o ônibus da banda durante a turnê, então Jason Newsted o substiuiu. Já com Jason comandando as cordas graves, a banda lançou o álbum And Justice for All... (1988), que marcou o início do amadurecimento musical da banda. Os arranjos mais melódicos se contrapunham à velocidade do som da banda nos últimos álbuns, mas a qualidade continuou a mesma. A música One foi o grande hit do álbum, tendo até merecido um clip que por muitas vezes passou na MTV. Mas a grande virada na carreira da banda viria com o homônimo Metallica (1991), mais conhecido como Black Album. Músicas como Nothing Else Matters e The Unforgiven mostram uma mudança drástica no som da banda, que passou a adotar um andamento mais cadenciado de modo geral. A partir deste álbum, o som da banda passou a seguir esta linha menos Speed Metal.

Sobre a história do Yes eu não conheço muito para dar detalhes, mas sei que foi a banda mais bem sucedida do Rock Progressivo. O Yes seguia a linha do Rock Progressivo notória por suas músicas longas e épicas, como Close to the Edge. Depois de a banda ter acabado nos anos 80, em 1983 eles voltaram com o álbum 90125, trazendo o grande hit da banda, Owner of a Lonely Heart. A partir desta época, o Yes passou a explorar mais este lado "pop" - alguns exemplos são as músicas Love Will Find a Way e Walls. Mesmo fazendo músicas mais curtas e com formatos mais convencionais, os arranjos continuaram contando com os sintetizadores complexos e outros instrumentos diversos.

O Pink Floyd foi o que foi graças às maluquices de Syd Barret nos anos 60 e de Roger Waters nos anos 70. Após a saída de Syd Barret da banda, o Pink Floyd lançou vários clássicos como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) e The Wall (1979); todos eles com fortes cargas conceituais (as agústias humanas, o tributo a Syd Barret, as metáforas homem-animal e a autobiografia de Roger Waters; respectivamente) e contando cada vez mais com a exclusividade de Roger Waters nas composições. Após o fracasso de The Final Cut (1983) e das brigas internas, Roger Waters saiu da banda (ou foi expulso, sabe-se lá...) e David Gilmour assumiu boa parte das composições do Pink Floyd em A Momentary Lapse of Reason (1987), o que torna este álbum quase como um trabalho solo do guitarrista. Tanto este álbum quanto o álbum The Division Bell (1994) mostram um Pink Floyd (ou um David Gilmour, tanto faz) mais ameno e menos "cabeçudo" do que o Pink Floyd dos anos 60 e 70. Músicas como On the Turning Away, Learning to Fly, Take it Back e Coming Back to Life mostram um lirismo dificulmente encontrado nos anos cerebrais do Pink Floyd.

O caso do Rush eu deixei por último devido à sua complexidade. A carreira da banda passou por pelo menos 4 fases distintas, sempre acompanhando os movimentos musicais de sua época. E estas diferentes fases levaram a mais de um processo de amadurecimento por parte da banda. O amadurecimento incial ocorreu por volta de 1976/1977, quando a banda começou a deixar o Hard Rock dos álbuns Fly by Night (1975), Caress of Steel (1975) e 2112 (1976) para começar a desvendar o mundo do Rock Progressivo em A Farewell to Kings (1977). Uma segunda mudança veio com o disco Permanent Waves (1980), trazendo músicas menores e com conceitos mais simples, além da introdução dos sintetizadores. Por fim, um "terceiro amadurecimento" veio no fim dos anos 80, com o álbum Presto (1989) trazendo de volta as guitarras ao lugar que havia sido tomado pelos sintetizadores. Os fãs da banda sempre questionam os integrantes do Rush sobre a possibilidade de um álbum conceitual ou da volta dos sintetizadores, mas esta realidade é cada vez mais distante.

No fim das contas, o amadurecimento musical se deve bastante pela idade de seus integrantes. As bandas que eu citei como exemplo surgiram quando seus membros tinham menos de 30 anos em média. Depois de passar a barreira dos 30 ou 35 anos, vários conceitos mudam na cabeça de uma pessoa. Toda aquela energia da juventude já foi drenada para as obras feitas na época que eram jovens e com o passar da idade a experiência vai trazendo a verdade: o grande lance da música é despertar sentimentos nas pessoas. E para despertar sentimentos e emoções, muitas vezes músicas simples já são suficientes. Quando um músico consegue sensibilizar as pessoas, - seja com músicas de 23 ou de 3 minutos, seja com arranjos orquestrais ou com voz e violão, seja explorando o modo grego mixolídio ou simplesmente a escala maior de dó - então pode-se dizer que trata-se de um músico maduro.

The Song Remains the Same (Led Zeppelin) - Depois deles o Rock é que não foi mais o mesmo

2009-08-12T12:27:00.001-07:00

Este é mais um daqueles que não está na minha cabeceira de fato, mas bem que merece uma vaguinha.

The Song Remains the Same é o registro de três shows feitos pelo Led Zeppelin - formado por Robert Plant (vocais), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (baixo, órgão e sintetizadores) e John Bonham (bateria) - no Madison Square Garden, tradicional palco para bandas de Rock em Nova York. Na verdade, em 1973, o Madison Square Garden ainda não era tradicional propriamente dito, pois na época bandas como Queen, Led Zeppelin e Kiss estavam começando a construir o conceito de Arena Rock com shows de médio e grande porte em estádios e grandes ginásios.

Seguindo um pouco da moda lançada por grandes nomes da música como Elvis Presley e Beatles, o Led Zeppelin lançou este show num formato que hoje em dia é pouco convencional. Nos anos 60 e 70, artistas de grande renome como o Rei do Rock e os garotos de Liverpool costumavam lançar filmes, como por exemplo A Hard Day's Night (Beatles) e This Is Elvis (Elvis Presley). Até o nosso querido Roberto Carlos lançou alguns filmes, como Roberto Carlos em Ritmo de Aventura. Mas o Led fez um pouco diferente, e montou um "filme" a partir das performances gravadas em Nova York, colocando imagens diversas (além das imagens do show, é claro) para ilustrar as músicas. Estas imagens vão desde cenas de filme de máfia a la O Poderoso Chefão até cenas com Robert Plant cavalgando em montanhas e castelos medievais. A idéia destas imagens era mostrar as fantasias de cada integrante da banda.

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Nome do filme: The Song Remains the Same
Lançamento: 1976 (cinemas), 1990 (VHS)
Músicas:
01. Rock and Roll
02. Black Dog
03. Since I've Been Loving You
04. No Quarter
05. The Song Remains the Same
06. The Rain Song
07. Dazed and Confused
08. Stairway to Heaven
09. Moby Dick
10. Heartbreaker (Takes)
11. Whole Lotta Love

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O filme começa com cenas típicas de filme de máfia feitas com a participação de dois membros da equipe da banda - Peter Grant (produtor) e Richard Cole (gerente da turnê). A banda já emenda logo de início dois clássicos, Rock n' Roll e Black Dog. Nestas duas músicas já dá pra sentir a pegada Rock n' Roll da banda (sem o trocadilho com a música de abertura). Só o timbre da guitarra de Page mostra boa parte desta pegada: ele consegue tirar timbres limpos e distorcidos apenas variando a intensidade com que toca, algo que hoje em dia é difícil de se encontrar num guitarrista, principalmente depois do surgimento dos pedaizinhos de efeitos diversos.

Since I've Been Loving You e No Quarter mostram as grandes influências do Blues no som da banda, tanto com os compassos 3/4 e 6/8 quanto com as improvisações de guitarra de Page. Logo a seguir vem The Song Remains the Same, música-título do filme e que trás uma marca: a guitarra Gibson EDS-1275, uma das primeiras guitarras de dois braços fabricadas pela Gibson, esta especialmente para Jimmy Page.

Logo em seguida vem The Rain Song, um belo Blues que tem uma versão mais "elétrica" ao vivo do que em estúdio. Dazed and Confused é outro Blues que trás outra marca do gênio Jimmy Page: a guitarra tocada com arco de violino.

Stairway to Heaven merece um parágrafo a parte. Esta música adquiriu uma mística ao longo da história do Rock, devido a vários fatores. O primeiro deles foi o fato de ser uma música de mais de 8 minutos que se tornou um grande sucesso sem que tivesse sido composta para ser um sucesso. Existem também várias lendas sobre esta música: Jimmy Page teria levado mais de um ano e meio para compor esta que seria a "música perfeita", uns dizem que o guitarrista teria vendido a alma ao capeta em troca desta música, Robert Plant teria escrito a letra de uma vez só, a música seria uma mensagem do tinhoso caso fosse rodada ao contrário, nenhuma banda pode fazer cover desta música e sequer nenhum comprador pode testar uma guitarra numa loja tocando esta música (uma referência a esta última lenda aparece inclusive num filme)... Enfim, tudo isso contribuiu para que Stairway to Heaven se tornasse uma lenda na história do Rock, apesar de Robert Plant afirmar no The Song Remains the Same que a música fala simplesmente sobre esperança. A versão ao vivo desta música se tornou mais popular, porém a versão de estúdio não foi gravada com a Gibson EDS-1275 como muitos acham, e sim com uma Fender Telecaster e com violão. Confira o famoso vídeo da performance ao vivo de Stairway to Heaven:

Moby Dick é outra música lendária, desta vez pelo solo de bateria de John Bonham. Ele usa abordagens baterísticas que até hoje são atuais. Influências de seu estilo de tocar podem ser claramente observadas nos solos de bateria de Neil Peart, do Rush - que, diga-se de passagem, é fã assumido do "Bonzo". A grande marca deste solo é o trecho em que ele toca com as mãos ao invés de tocar com as baquetas. Heartbreaker é mais um Blues com longas sessões de improvisação. Pra fechar, Whole Lotta Love, mais um clássico do Hard Rock.

O Led Zeppelin foi uma banda extremamente importante para a história do Rock. Eles foram os responsáveis por inaugurar o Hard Rock que influenciou toda a geração de bandas da década de 70 e 80. Sem eles não haveria shows barulhentos com guitarras distorcidas em estádios de futebol com 50 mil pessoas. E é por isso que, apesar de a música permanecer a mesma, depois do Led Zeppelin o Rock é que nunca foi o mesmo.

Bomba (é velha, mas pra mim é nova) - Os verdadeiros motivos da separação de Edson e Hudson

2009-08-09T10:07:00.000-07:00

Navegando pela "internê" eu achei uma entrevista do Hudson para o site Yahoo no dia 25/06. Vou reproduzi-la a seguir, só para reparar o meu pitaco dado no post de horas atrás.

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O músico Hudson Cadorini, da dupla Edson & Hudson, já era conhecido como o metal cowboy, agora, ele parte para carreira solo e se aventura no rock'n'roll mais comercial - como ele mesmo gosta de dizer.

Em entrevista exclusiva ao Yahoo! Brasil, Hudson fala da nova carreira, do gosto pelo sertanejo e pelo rock e sobre o fim da dupla que mantém com seu irmão Edson há mais de 20 anos. Entre confusões e agressões (Hudson acusa Edson de ter agredido sua mulher), o guitarrista garante que a separação não está sendo nada amigável, mas que isso não abala sua confiança na nova empreitada.

Para entrevistá-lo, contamos com a colaboração dos usuários do Yahoo! Respostas (confira a pergunta aqui), que disseram o que gostariam de saber do cowboy roqueiro. Coletamos 498 sugestões de perguntas e algumas delas podem ser conferidas abaixo.

Yahoo! - O rock é uma influência no trabalho que você fez ao lado de seu irmão Edson. Mesmo assim, muitos fãs se mostraram surpresos com o novo rumo da sua carreira na música e querem saber: por que mudar do sertanejo para o rock?
Hudson - Na verdade não tem mudança. Minha influência musical vem da minha mãe. Ela deixou uma influência muito grande, principalmente de rock. Eu sempre ouvi muita coisa desde criança, de Europe até Michel Jackson. Comecei a tocar violão com cinco anos e passei para a guitarra aos 15. Para que eu e o Edson ficássemos famosos demorou 23 anos, e eu já era guitarrista muito antes disso. Muita gente começou a me conhecer quando eu já estava na dupla, tocando sertanejo. Eu nunca escondi o meu lado guitarrista e meu lado rock e acho que isso diferenciou a dupla. E mesmo antes da dupla, eu tinha banda de rock.

Yahoo! Repostas: Alex Summers - Você não gostava de sertanejo ou está se separando porque ama o rock?
Hudson - Eu canto com o Edson desde os cinco anos e a gente sempre foi muito mais tempo anônimo do que famoso, e nesse tempo muita coisa passou. A gente achava que nunca ia fazer sucesso. O sertanejo é muito legal de ouvir, tocar e só trouxe coisa boa para mim. Eu tenho CD do Tião Carreiro e Pardinho, gosto do Chitãozinho e Xororó, e como em todo estilo musical, o sertanejo tem muita coisa bacana e muita coisa ruim, assim como o rock. Tem muita dupla mais nova que eu gosto, assim como tem dupla por aí que não é boa. Eu simplesmente tentei misturar as duas coisas e deu certo. Qual é o problema de gostar de sertanejo e de rock? Nos Estados Unidos isso é comum, caras como o Bon Jovi gostam de country e de rock, a praia deles é totalmente folk. Lá não existe essa metalidade fechada e acho que no Brasil eu consegui quebrar um pouco isso.

Yahoo! - A música "Eu não vou mudar de lado", do seu primeiro disco solo, "Turbination", é uma resposta a esse tipo de comentário?
Hudson - Não é uma resposta para o público, para os fãs, mas para aquelas pessoas que duvidaram do meu trabalho e achavam que eu tinha que mudar meu jeito e meu visual para poder fazer sucesso. É para aqueles que acharam que eu ia desistir.

Yahoo! Repostas: Adriano - Você usou a música sertaneja apenas como trampolim para a fama?
Hudson - Quem me conhece sabe que não. É só analisar meu trabalho e você vai saber que eu sempre toquei country rock com o Edson. Tenho muito respeito pelo sertanejo, não sou bitolado. Neste momento, tem um desgate da nossa carreira, muita picuinha e não tem como continuar a dupla. Se não fosse por isso, eu continuaria com o Edson e com os meus projetos paraelos, como fiz com o "Turbination". Agora eu vou lançar minha banda, mas também farei paralelamente alguns CDs mais pesados, porque como guitarrista, eu gosto desse estilo.

Yahoo! Repostas: Distraído44 A troca pelo rock'n'roll é definitiva para ou você ainda pretende volta para o sertanejo?
Hudson - Como eu disse, não estou trocando nada, vou continuar sendo eu. Quem me conhece sabe que eu gosto é de fazer música. Vou continuar fazendo música romântica, só que com uma levada mais rock'n'roll, como a música "Me Bate, Me Xinga", do Edson & Hudson. Claro que vou fazer algo mais inspirado no AC/DC, por exemplo, mas vai ser um estilo mais comercial. Eu acho que o que manda na carreira é um bom repertório e músicas legais e isso eu posso garantir.

Yahoo! Repostas: Anjo Rebelde! Quais as bandas de rock intenacional você mais gosta?
Hudson - Eu gosto de coisa dos anos 70, como Led Zeppelin, AC/DC, Pink Floyd, Van Halen. Eu tive uma banca cover de Pink Floyd. Agora guitarristas eu sempre ouvi muito Steve Vai, Yngwie Malmsteen gosto muito do Slash, dos mais antigos, essas são as minha principais influências.

Yahoo! Repostas: Rafael - Você vai investir na carreira solo instrumental ou pretende cantar no seu projeto solo?
Hudson - Eu vou lançar um trabalho diferente do "Turbination" e terei uma banda que vai me acompanhar, a banda Rollemax. Eles inclusive gravaram o DVD da turnê de despedida do Edson & Hudson. Vou ter um vocalista, o Bruno, mas também pretendo continuar lançando discos mais pesados, de guitarrista, como o primeiro, em projetos paralelos.

Yahoo! - O "Turbination" tem uma pegada mais heavy metal, qual esitlo você pretende perseguir a partir de agora?
Hudson - Eu não vou tocar heavy metal, vou fazer uma coisa diferente. Vai ser uma coisa mais bem elaborada, quero fazer uma coisa mais comercial. Não vai ser um som pesado para os metaleiros balançarem a cabeça, vai ter música romântica, vou falar de coisas da vida. Quero fazer uma música para quem gosta de rock, mas também para que gosta de um estilo mais comercial, música para tocar na rádio.

Yahoo! Repostas: Marcelo Henrique - Você não correrá o risco de perder os fãs e admiradores que já possui e não convencer possíveis novos fãs?
Hudson - Não, porque essa banda não tem o mesmo estilo daquela que eu lancei no primeiro CD, eu vou lançar uma coisa comercial. E posso garantir que vocês vão se supreender ou eu mudo meu nome!

Yahoo! Repostas: Paulo - Você não acredita que ficará o estigma junto aos roqueiros por ter pertencido a uma dupla sertaneja e dificultar sua nova carreira, além de ficar também, junto ao grupo que admira a música sertaneja, a pecha de "traidor"?
Hudson - Na verdade, o público só aumentou. Eu não mudei meu estilo, as pessoas vão perceber que eu estou do mesmo jeito, só que com outro projeto. Acho que tem preconceito sim, mas não ligo porque não faço música para esse tipo de gente. Com a dupla, nosso público médio em show é de 20, 30 mil pessoas. No show de Americana [interior de São Paulo], quando eu toquei "Patience" [música do Guns N' Roses] as pessoas adoraram, gritaram, foi o ponto alto. Acho que hoje em dia as pessoas têm preconceito com quem tem preconceito, então não me preocupo com isso.

Yahoo! - Como está a produção do primeiro trabalho solo? Tem previsão de lançamento?
Hudson - O trabalho está praticamento pronto, mas este ano eu não posso lançar nada porque tenho um contrato com o Edson de que não lançaríamos nada solo em 2009, nem faríamos qualquer tipo de divulgação, por isso, vou lançar só no ano que vem.

Yahoo!- O fim da dupla foi amigável ou houve desetendimento entre vocês?
Hudson - Na verdade não houve um fim, foram os empresários que me colocaram fora da parada. O Edson tenta negar e dizer para as pessoas que a gente está bem, mas na verdade ele e os empresários que me tiraram e agora querem me barrar, não posso falar do meu trabalho, nem divulgar, mas ele fala do trabalho dele o tempo todo.

Yahoo! - O clima entre vocês está ruim então?
Hudson - Sim, no último show, em Americana, as coisas não ficaram nada bem. Eu chamei minha banda [Rollemax] para fazer uma participação e o público gostou. Ele [o Edson] foi para o camarim com ciúmes da boa recepção do público e enquanto eu estava tocando, agrediu a minha esposa, fisica e verbalmente. Isso não é mentira, eles emitiram um comunicado desmentindo, mas é verdade. Minha esposa fez um boletim de ocorrência na delegacia da mulher e tudo. Depois ele voltou e criticou a gente no palco, disse que o que fazia sucesso era o que ele cantava e não aquela música. Enquanto o problema era entre a gente tudo bem, mas depois que mexeu com aminha mulher eu fiquei puto. Agora só faço show com ele porque tenho compromisso, porque nós temos contrato, mas o clima sempre esteve pessado. A verdade está do meu lado e Deus é maior.

Yahoo! - Por que você acha que isso aconteceu? Você se destacou mais do que ele?
Hudson - Sim, não sei se é ciúme ou raiva. Ele ironiza a banda Rollemax. Essa é a primeira vez que eu falo sobre o assunto. A separação, diferente do que ele fala, não foi amigável. Nós temos várias coisas no contrato que ele não cumpre. Não podemos falar de trabalho próprio, de sexo, de política durante os shows e ele fala o tempo todo, agora eu não posso fazer nada. Estou muito triste com tudo que está acontecendo, mas o futuro vai mostrar quem está certo. Espero que os fãs compreendam que eu estava vivendo em um mundo cheio de cobras, um mundo sufocante e que agora eu sai disso. O Edson tenta passar a imagem de ele é bonzinho e eu sou malvado da história, que estou abandonando o sertanejo e os fãs, desfazendo deles, e isso não é verdade.

Fonte: http://br.noticias.yahoo.com/s/25062009/48/entretenimento-problema-gostar-sertanejo-rock-n.html

Edson & Hudson no Expresso Brasil

2009-08-09T05:02:00.000-07:00

Queria inaugurar uma nova modalidade de post aqui no Álbuns de Cabeceira. Pretendo, sempre que possível, fazer resenhas sobre shows. Pra começar, um show da dupla Edson & (meeeeeeeeeeeeeeeestre) Hudson.

A dupla Edson & Hudson está na turnê de despedida, já que o fim da dupla está marcado para o fim deste ano. O Edson tem como plano futuro lançar seus filhos Vitor e Vitória como dupla sertaneja mirim, enquanto o Hudson já engatilha uma carreira voltada para o Rock n' Roll junto com a banda Rollemax. Este assunto da separação tem rendido um bom pano pra manga. Pelo o que ando acompanhando desta trajetória de separação, não creio que tenha sido uma briga dos dois irmãos a causa da separação. Creio que simplesmente chegou um ponto na carreira da dupla em que eles não se sentem tão confortáveis como dupla e cada um aposta em seus planos pessoais de carreira. Eu mesmo fui para o show pensando que veria "dois caras" e não uma dupla, mas acabei enganado. Ainda há uma energia entre os dois, porém com uma expressão de cansaço.

Ontem (ou melhor, hoje) o show foi na casa Expresso Brasil, na Zona Leste de São Paulo, e eu tive a oportunidade de acompanhar o show na área VIP. Antes do show, fiz uma visitinha básica ao camarim (diga-se de passagem, quase não consegui entrar) pra falar com o Hudson e pegar um autógrafo dele no meu exemplar do Turbination - sendo bem honesto: 70% dos meus motivos de ir no show foram pra ver o mestre de perto. Consegui trocar umas palavras com o Hudson e, falando sobre seu novo trabalho com a banda Rollemax, ele disse que o novo álbum já está engatilhado, só esperando pra mixar nos Estados Unidos. De acordo com o próprio, este novo trabalho não terá a pegada "nervosa" do Turbination - "[..] é uma coisa mais pra guitarrista...", disse ele sobre o primeiro trabalho solo. O novo trabalho será um trabalho mais comercial. Além disso, ele disse que o álbum Turbination e o DVD O Massacre da Guitarra Elétrica (vídeo do show com a banda Rollemax gravado no Bar da Montanha, em Limeira) serão re-lançados por uma nova gravadora.

Bem, vamos ao show. Uma coisa que me chamou a atenção foi o caráter multi-facetado do show. Basicamente o show foi dividido em 4 partes: a primeira parte foi o Country Rock ao estilo tradicional da dupla, a segunda parte à la festa de peão (com músicas dançantes estilo bailão), a terceira parte um acústico e a quarta um voz e piano com o Edson e o tecladista Orlan Chaves.

A expressão Country Rock é talvez a melhor definição para o estilo da dupla. O próprio Hudson, numa entrevista para o programa Gordo Visita da MTV, citou como influência de estilo o cantor Garth Brooks. Por minha conta cito Lynyrd Skynyrd como outra influência - no DVD Na Arena ao Vivo o Hudson usa um chapéu com o nome da banda. Ao vivo a sonoridade da banda parece mais Rock ainda, tendo bastante presença de guitarra. Uma coisa interessante que eu reparei foi o uso da afinação Drop-D em algumas músicas, o que confere um peso à mais - só para explicar, Drop-D é um tipo de afinação de violão/guitarra na qual a mizona (corda mais grave) é afinada um tom abaixo da afinação padrão (ou seja, ela fica mais grave ainda). O que mais chama atenção mesmo é a abordagem técnica que o Hudson usa no meio do estilo sertanejo. É quase como colocar o Eddie Van Halen pra tocar com o Lynyrd Skynyrd. Além disso a banda costuma fazer alguns temas instrumentais como introdução para as músicas da dupla, e foram justamente criando estes temas que Hudson e seu parceiro Vinícius-X coletaram material para o Turbination - no caso do show de ontem, a música Ligaduriuns Metranca Invertis foi um destes temas.

A parte "de rodeio" do show conta com as músicas mais agitadas. Nem tenho muito o que comentar porque não é a minha praia.

A parte do acústico foi bem interessante. Tudo começou com um tema instrumental na viola, composto por uma montagem de vários trechos de clássicos da música caipira. O fim do tema foi uma improvável homenagem ao Michael Jackson, com os teclados introdutórios e a clássica risada de Thriller. Esta parte acústica do set me parece ser tradicional nos shows da dupla, creio eu pelo fato de eles terem lançado um DVD dedicado totalmente à música regional - o DVD Na Moda do Brasil.

A próxima parte do show foi um simples voz e piano com o Edson e com o tecladista Orlan Chaves. E nessa parte do show o Edson deixa claro que canta demais. Na minha opinião, é a melhor voz da música sertaneja. E mesmo sendo um momento mais intimista do show, a galera cotinuou ligada.

Após esta parte mais intimista, o show volta ao estilo Country Rock tradicional. Nesta parte do set uma música que me chamou atenção foi uma versão de I Wanna Know What Love Is, do Foreigner - Foi Você Quem Trouxe, na versão da dupla em português. Esta música foi gravada no álbum ao vivo desta turnê de despedida, álbum chamado simplesmente Despedida. Eu sempre torci o nariz para estas versões em português, pois geralmente a música tem os mesmos arranjos da original e a letra é muito pobre - até mesmo a música Pirei, uma versão demo de Beat It (Michael Jackson) feita pelo Hudson e sua banda Rollemax, me causou este efeito. Apesar de Foi Você Quem Trouxe ter a letra bem simples, ela tem um arranjo mais voltado para o Rock, o que me chamou a atenção como roqueiro de carteirinha. E o Hudson cantando ficou muito legal. O que importa, no fim das contas, é a música conseguir tocar o coração das pessoas, e isso ela faz muito bem. Seguem os links das versões original e em português para vocês:
- I Wanna Know What Love Is:
http://www.4shared.com/file/123923575/c6c9a456/I_WANNA_KNOW_WHAT_LOVE_IS.html
- Foi Você Quem Trouxe:
http://www.4shared.com/file/123922814/57f0c770/FOI_VOC_QUEM_TROUXE.html

No show deles eu observei muito da relação fã-ídolo, talvez porque foi a primeira vez que fui num show pra ver um ídolo de verdade e não só pra ver uma banda. Assistindo o show entre a grade e o palco, vi muita gente na grade desesperada (desesperada no feminino, porque quase só tinha mulher), gritando o nome dos caras, chorando, desmaiando e etc. É uma coisa meio louca, nunca tinha visto estas coisas de perto. E esse é só um dos tipos de relação fã-ídolo. O tipo que eu estava habituado é aquela relação em que o fã quer ser o amigão do ídolo, e não colocá-lo num pedestal intocável de adoração - uma vez ouvi uma frase interessante do baixista do Rush falando sobre isso: "É como se cada um tivesse um pequeno segredinho conosco". Eu mesmo, enquanto esperava pra entrar no camarim pra falar com o Hudson, fazia uma lista mental das coisas pra falar com ele, mas obviamente não consegui falar nem 10%. O ideal seria sentar num boteco pra conversar sobre música ou até fazer uma visitinha no estúdio dele pra tocar um pouco - quem sabe ele pelo menos deixa eu olhar por 30 segundos pra Ibanez JEM dele...

Bem, como disse anteriormente, eu fui no show pra ver de perto o Hudson tocar. Obviamente, não adianta só ver o cara se as músicas da dupla forem ruins. E ainda bem que as músicas dos caras são boas, legais e têm umas letras grudentas pra ajudar na hora de cantar. Pra quem conhece um pouco do lado Guitar Hero do Hudson, vale muito a pena ir num show da dupla e aproveitar pra vê-lo em ação com o irmão. E se você está na dúvida, lembre-se de um fator importantíssimo: no mínimo 60% do público é mulher.

Pra acabar, queria agradecer à Priscila, ao Rodolfo e a todo o pessoal do Expresso Brasil que recebeu muito bem eu, minhas irmãs e meus cunhados na área VIP.

PS.: Já coloquei fotos melhores. Agradecimentos à minha irmã pelas fotos de qualidade.

Mamonas Assassinas - O cometa musical brasileiro

2009-08-06T15:20:00.000-07:00

Quem aí não sabe uma música do Mamonas Assassinas de frente pra trás e de trás pra frente? É... de fato eles foram um cometa na música brasileira. Apareceram e se foram na mesma velocidade de milhares de anos luz. E todo o sucesso que eles fizeram não foi só devido às letras e às apresentações irreverentes, mas também devido à qualidade musical que eles tinham.

A banda - formada por Dinho ("voz e vocais"), Samuel Reoli (baixo), Júlio Rasec (teclado e vocais), Sérgio Reoli (bateria) e Bento Hinoto (guitarra) - começou com o nome de Utopia e tinha um som mais sério, até certo ponto sombrio. As influências da banda se baseavam nos estilos mais modernos de Heavy Metal do início dos anos 90, como Faith no More e Dream Theater. Este estilo era uma fusão das guitarras pesadas Metal tradicional dos anos 80 com sons de sintetizador. Estas influências continuaram mesmo após a guinada que deram no estilo da banda, guinada esta ocasionada pela proução musical de Rick Bonadio - quem diria que este mesmo produtor viria a colocar tanta porcaria no mercado musical até os dias de hoje...

Neste artigo eu vou bancar o desagradável tentando explicar algumas piadas e brincadeiras que o grupo faz neste disco. Só vou fazer isso porque foi justamente neste aspecto que eles mostram uma criatividade enorme, e isso passou desapercebido por muitos na época - ainda mais pelos que eram crianças na época, como eu.

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Nome do álbum: Mamonas Assassinas
Lançamento: 1995
Músicas:
01. 1406
02. Vira-Vira
03. Pelados em Santos
04. Chopis Centis
05. Jumento Celestino
06. Sabão Crá-Crá
07. Uma Arlinda Mulher
08. Cabeça de Bagre II
09. Mundo Animal
10. Robocop Gay
11. Bois Don't Cry
12. Débil Metal
13. Sábado de Sol
14. Lá Vem o Alemão

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01. 1406
Quem aí se lembra daqueles programas de compras da TV nos anos 90? E qual era o telefone do programa? 1406!! A música fala justamente dos sonhos de consumo de um homem humilde. Nesta música o Dinho (vocal) já começa com sua imitação do Belchior, imitação esta que era quase como uma segunda-voz dele. O Dinho usa justamente o Belchior para representar os brasileiros mais humildes.

02. Vira-Vira
Vira-Vira foi um dos maiores hits da banda na época. É simplesmente uma piada de português, só que com tons de sexualidade muito bem diluídos a ponto de fazer crianças cantarem palavras como "suruba", "monoteta" e "putaria" na frente dos avós - eu fui uma destas crianças. Nesta música a banda mostra uma grande versatilidade musical, transitando do Vira (ritmo tradicional de Portugal) para o Rock em questão de segundos.

03. Pelados em Santos
Pelados em Santos foi a música que abriu as portas para o humor nas composições do grupo, e por isso se tornou o maior hit da banda na curta trajetória de um ano e meio. Esta música é uma paródia do estilo "brega" (ou popular, como queiram).

04. Chopis Centis
O Belchior cover volta em Chopis Centis, desta vez cantando uma música que é um "semi-plágio" da música Should I Stay or Should I Go, do The Clash. Mais uma música que é dedicada ao povo brasileiro.

05. Jumento Celestino
Jumento Celestino é a terceira música do álbum dedicada aos nordestinos, mais especificamente àqueles que vêm para as cidades grandes e enfrentam as mais diversas dificuldades. Mais uma boa mistura de ritmos feita pela banda, agora do Rock com o Forró.

06. Sabão Crá-Crá
Aqui temos uma piadinha interna do grupo. No encarte do álbum, a duração da música é de 4:10, quando na verdade é 0:42. E essa é só uma das piadinhas do encarte: tem o "recorte aqui e estrague seu encarte", os agradecimentos ao Chaves e ao Chapolin, etc. A música é uma à capela com aquele clássico poeminha proibido para menores de 18 anos.

07. Uma Arlida Mulher
Pela terceira vez, o Belchior cover assume os vocais. A letra conta com uma série de pérolas literárias, e dentre elas destaco duas:

Te falei que o pediatra é o doutor responsável pela saúde do pé
O zoísta cuida dos zóio e os oculista, Deus me livre, nunca vão mexer no meu

Pois nos "tira e põe, deixa ficar" da vida
serei sempre seu escravo de Jó

A música acaba com um fade-out (aquele efeito em que a música vai diminuindo de volume gradualmente até ficar inaudível), e durante o efeito o Dinho fica falando várias besteiras aleatórias. Este efeito lembra aquelas rádios que vão diminuindo o volume das músicas para o locutor falar umas baboseiras.

08. Cabeça de Bagre II
Eu não entendi porra nenhuma desta letra, e eu acho que era essa a intenção - tanto que existe uma nota no álbum dizendo "música incidental". A música é um misto de protesto, problemas da infância, imitação da risada do Pica-Pau com a guitarra e trilha sonora do "Baby Elephant Walk" (nei sei do que se trata este tal de "caminhar do elefantinho", quem souber posta um comentário aí).

09. Mundo Animal
Quem é que canta esta música? Sim, o Belchior cover novamente! A música tem um violãozinho bem simpático, que dá um tom infantil para a música. Mesmo durante os refrões pesados, sons de metalofones (aqueles tecladinhos de metal de criança) ainda mantém o clima infantil da música. Assim como em Vira-Vira, a banda mostra um jogo de cintura muito bom ao fazer uma música simpática às crianças mesmo com expressões do tipo "as cabritas têm seios", "os cachorros que comem a própria mãe, sua irmã e suas tias", "bazuca anal", etc.

10. Robocop Gay
A letra de Robocop Gay é repleta de duplos sentidos, uns mais claros e outros mais discretos. Enquanto eu escutava o álbum para escrever este artigo, descobri um backing vocal um tanto quanto indiscreto:

Minha pistola é de plástico
(Quero chupar, ah, ah)
e em formato cilíndrico
(Quero chupar, ah, ah)
sempre me chamam de cínico
(Quero chupar)
mas o porquê eu não sei.
(Quero chupar, ah)

Apesar do tom humorístico, em momento nenhum a letra é preconceituosa. As performances ao vivo desta música ganharam uma paradinha na qual o Dinho imitava o piri-piri-pi-piri da Gretchen.

11. Bois Don't Cry
Já falei sobre esta música na Nota Musical II - pra quem não leu, a parte pesada desta música mostra claras influências do Dream Theater e do Rush. Esta música mistura o Rock Progressivo destas duas influências dos Mamonas com o "Breganejo" - repare nos vocais harmonizados e nos vibratos a cada fim de verso. E no fim da música o Bento ainda faz um som de boi com a guitarra. Se você ainda não percebeu, o nome da música é inspirado na música Boys Don't Cry, do The Cure.

12. Débil Metal
Débil Metal é uma sátira do Heavy Metal. A letra (em inglês) é estremamente idiota e mostra alguns clichês do Metal (só as palavras "darkness" e "sucker" são suficientes para entender). Os vocais são inspirados no Max Cavalera, vocalista do Sepultura na época (banda que estava no auge da fama). O instrumental mostra bastante a influência do Dream Theater, com um riff de guitarra marcante e o teclado fazendo toda a base.

13. Sábado de Sol
Esta música é um acústico inocente, parecido com um luau na praia.

14. Lá Vem o Alemão
Estava demorando pra misturar o Rock com Pagode. Desta vez os imitados são Luiz Carlos (vocalista do Raça Negra) e Netinho de Paula (na época integrante do Negritude Júnior). Como é um pagodão, obviamente a letra tinha que ser de corno:

Só porque ele é lindo, loiro e forte
tem dinheiro e um Escort
como Modess, você me trocou.

Bandas com irreverência surgem aos montes no cenário musical brasileiro, mas o Mamonas foi diferente de tudo o que existia e de tudo que ainda existe. O aparecimento, o sucesso e a morte repentinos contribuem muito para a criação de um mito ao redor dos meninos de Gurulhos; mas este não é o único fator que os torna especiais. O fato de ser uma banda essencialmente escrachada sem necessariamente descuidar da qualidade musical chama muito a atenção dos fãs de música em geral. Inclusive, até hoje muitos metaleiros idolatram o Bento Hinoto, que na época já se revelava um guitarrista promissor. O que vale é ter na lembrança os momentos hilários que passamos acompanhando a passagem deste cometa pelas nossas vidas.

Nota Musical III: Caricaturas do Chop Shop Guitar Show Hall of Fame

2009-07-31T12:34:00.000-07:00

O site de um programa de rádio gringo chamado Chop Shop disponibilizou em seu site wallpapers com caricaturas de diversos Guitar Heroes. Confira:

http://www.chopshopradio.net/hall_of_fame.html

A segir, alguns dos guitarristas que eu considero como grandes ídolos:

The Dark Side of the Moon (Pink Floyd) - A obra-prima do Rock

2009-07-27T05:47:00.000-07:00

Antes de começar esta resenha, já vou pedindo desculpas pelo o que vou escrever nas próximas linhas. O primeiro motivo para as desculpas é que escrever sobre este álbum exige uma grande responsabilidade, principalmente considerando que um Floydiano fanático possa ler este artigo. O segundo motivo é que este álbum (ainda) não faz parte da minha cabeceira...

Antes de começar a escrever este artigo, tomei o cuidado de assistir o documentário comemorativo de 30 anos do álbum, que conta com entrevistas com os membros da banda - David Gilmour (guitarra e voz), Roger Waters (baixo), Richard Wright (piano, órgão e sintetizadores) e Nick Mason (bateria) - e outros participantes do processo de gravação do álbum. Recomendo este documentário a todos que curtem a banda ou que pelo menos têm curiosidade sobre este álbum.

Bem, lembro que meu primeiro contato com este álbum foi aos 15 anos, quando estava começando a curtir Rock n' Roll e estava formando meu gosto musical. Um colega meu (o Marcel "Dente") tinha escrito numa divisória de fichário uma letra de música que tinha vários versos iniciados com "All that you" (algo do tipo "tudo o que você", em tradução livre). Ele, fã do Pink Floyd, me disse que era a letra de Eclipse, que mais tarde vim a descobrir que era a música de encerramento do The Dark Side of the Moon. Lembro que meses depois pedi uma cópia do CD pra ele, e ele se recusou a copiar pra mim. E depois eu vim entender o motivo da recusa: todas as músicas do CD são ligadas, e a cópia do CD tiraria as emendas. Anos mais tarde, quando já estava na faculdade, peguei um jornalzinho de um dos centros acadêmicos e vi um review sobre este álbum. E foi este review que se tornou a semente para este blog - os reviews sobre o Moving Pictures e o Turbination foram publicados em outro jornal da minha faculdade.

Bem, deixando os adendos de lado, vamos ao lado escuro da lua...

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Apesar de, segundo o baterista Nick Mason, o álbum The Dark Side of the Moon (1973) ter sido idealizado numa lanchonete, ele representou muita coisa para a história do Rock. A mais importante dela foi a popularizaçao do Rock Progressivo e dos álbuns conceituais. Os críticos musicais costumam rotular como conceitual um álbum que tenha um tema único, aparentando como se fosse uma obra única, sem divisões (e neste caso, não há sequer intervalos entre as músicas). No caso do Dark Side, o tema principal são as angústias humanas: a rotina massacrante do trabalho, a falta e o desperdício de tempo, o dinheiro e a ganância, a violência e a incompreensão da natureza individual. Outro aspecto importante foi a fusão de estilos como o Rock, o Jazz e o Blues de uma forma jamais feita anteriormente.

Em termos de sonoridade, as maiores contribuições que o Pink Floyd trouxe com este álbum foram os sintetizadores e sequenciadores. Para quem não sabe, sintetizador é como se fosse um teclado, porém ele tem recursos para a criação de qualquer som (quando digo qualquer, significa qualquer mesmo) a partir de elementos básicos de síntese sonora, como os osciladores, filtros e moduladores. Na época da gravação do álbum, um sintetizador poderia ocupar uma sala inteira, e hoje eles cabem numa carcaça do tamanho do teclado do seu computador. Os sequenciadores são módulos que operam junto com sitetizadores e são resposáveis por criar sequências de execução de notas previamente escolhidas. Escolhidas as notas, é possível escolher um padrão de sequência, a velocidade da execução, etc. Um clássico exemplo de sequenciador é a introdução da música Rádio Pirata, do RPM.

Além da obscuridade natural do álbum, corre uma lenda urbana que diz que o The Dark Side of the Moon seria uma trilha sonora alternativa para o filme O Mágico de Oz. Esta lenda tomou mais corpo quando uma rede de TV transmitiu o filme com o The Dark Side of the Moon de fundo (versão conhecida como The Dark Side of the Rainbow). Dizem que se você der o play no álbum ao terceiro rugido do leão da MGM, vários eventos do filme coincidem com partes das músicas do álbum :
- O início de On the Run coincide com a queda de Dorothy de uma mureta para dentro de um chiqueiro. E enquanto toca o som de helicóptero no final, Dorothy está olhando para o céu.
- Uma mulher aparece andando de bicicleta quando tocam os relógios de Time.
- No começo de The Great Gig in the Sky, no qual há falas de pessoas falando sobre a morte, uma grande ventania começa perto a casa de Dorothy. No momento que ela entra em casa, inicia a parte calma da mesma música.
- No momento em que Dorothy sai de sua casa e encontra o mundo colorido, começam as caixas registradoras de Money. E a segunda parte do solo coincide com a dança de vários anõezinhos.
- No começo de Us and Them (música que teve como origem cenas de violência de um filme) um anão aparece com um "certificado de morte". Mais tarde, no momento em que David canta "black" (preto), aparece a bruxa. E quando David canta "down" (para baixo), a bruxa se abaixa para tocar os pés de algum "ser".
- No começo de Any Colour You Like, Dorothy entra na estrada de trijolos amarelos.
- O início de Brain Damage, com o verso "The lunatic is on the grass" (o lunático está na grama), coincide com a dancinha retardada do Espantalho.
- Quando Dorothy coloca a mão no peito do Homem de Lata para sentir que ele não tem coração, na trilha sonora alternativa toca o coração do fim de Eclipse.

É, vamos ao álbum antes que você enlouqueça...

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Nome do álbum: The Dark Side of the Moon
Ano de lançamento: 1973
Músicas:
1. Speak to Me/Breathe
2. On the Run
3. Time
4. The Great Gig in the Sky
5. Money
6. Us and Them
7. Any Colour You Like
8. Brain Damage
9. Eclipse

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1. Speak to Me/Breathe
Esta música começa com uma sequência de sons diferentes: batidas de coração, caixas registradoras, vozes, etc. Vários desses sons são utilizados nas outras faixas do disco. As vozes são na verdade resutado de gravações de entrevistas feitas por Roger Waters com pessoas da equipe do Pink Floyd. Algumas histórias dizem que foi feita uma entrevista com Paul McCartney, porém o conteúdo de suas respostas foi tal que não seria responsável colocá-las nas faixas do álbum. A parte relativa a Speak to Me termina com o longo grito de uma mulher, e logo entra a parte relativa a Breathe. Breathe conta com um misto de influências, desde o Jazz no piano até a música havaiana no lap steel (um tipo de guitarra para tocar no colo, com um slide). A letra fala sobre a pressão que sofremos no dia-a-dia, principalmente em relação ao trabalho. O fim desta música se encontra, na verdade, no fim da música Time - este assunto já foi discutido na Nota Musical I. Outra curiosidade sobre esta faixa é a utilização de mais de uma faixa de vocais fazendo harmonias, como as duplas sertanejas brasileiras fazem. Este recurso foi inovador em gravações da época.

2. On the Run
On the Run é outro clássico exemplo do que sintetizadores e sequenciadores são capazes. O padrão principal deste instrumental é composto por 4 notas repetidas em grande velocidade. Além disso, são usados filtros e ruídos para dar uma idéia de movimento para o som. Isso sem contar com o som de pratos de bateria tratados com filtros e osciladores, guitarras com efeito de eco reverso, batidas de coração, passos, etc. E imagine que toda a mixagem destes sons era feita "no braço", rodando fitas e mais fitas (como o prório David Gilmour diz no domcumentário: "A mixagem, naquela época, era uma performance."), e sem o auxílio de computador como se faz hoje em dia. Se você não entendeu lhufas, tudo bem, isso já era esperado. Pelo menos você pode repetir isso para alguém ficar espantado assim como você.

3. Time
Essa é a dos famosos relógios sincronizados, coisa que deu um trabalhão pra mixar "no braço". A levada com cara de Reggae das estrofes contrasta de modo interessante com os refrões mais blueseiros com participação das backing vocals. Logo depois vem o solo de guitarra, uma mistura da melancolia do Blues com o "positivismo" da textura envolvente criada pelo eco. A letra fala de mais uma das conhecidas frustrações de Roger Waters, desta vez com relação à criação dada pela sua mãe, que prezava a educação do seu filho para a vida adulta. Na letra de Time, Roger fala sobre como se deu conta de que perdeu momentos preciosos da infância e da adolescência devido a esta educação que teve, e fala também sobre a angústia relacionada ao pasar do tempo e à proximidade do fim da vida.

4. The Great Gig in the Sky
Esta música começa mais uma vez com um piano bem jazzístico. As falas que acompanham o lap steel são as respostas de uma das entrevistas, mas especificamente repostas para a pergunta: "Você tem medo de morrer?". Para esta canção, foi convidada a cantora Clare Torre para um improviso vocal. A única instrução que ela recebeu foi para pensar no horror e na morte na hora de gravar, e o resultado foi maravilhoso. Só para constar, o título da música, em tradução livre, significa "a grande apresentação no céu".

5. Money
Money foi um dos maiores hits deste álbum. Como parte de uma campanha de marketing para levar o Pink Floyd para os Estados Unidos, foi lançado um single com esta música. Os sons de caixa registradora na introdução viraram referência para trilhas sonoras de tudo quanto é coisa que você possa imaginar. Basicamente, a letra de Money trás uma reflexão sobre a ganância e sobre como se conduz uma vida quando se tem muito dinheiro. Esta reflexão fez parte da vida da banda, pois eles vinham atingindo um grande sucesso na época e tinham dificuldades em lidar com as consequências da fama e do dinheiro. Desta música vem um dos significados da capa do disco: a pirâmide é o símbolo da ganância - basta lembrar que grandes monumentos como as pirâmides do Egito e as dos Maias tinham este formato. A luz representa a própria luz da banda. Nesta música há a participação do saxofonista Dick Perry num solo de saxofone. Logo em seguida deste solo de sax, vem o solo de guitarra, num compaso cuja a fórmula (4/4) foi mudada em relação à fórmula do restante da música (7/4) simplesmente para facilitar a vida do David Gilmour.

6. Us and Them
A estrutura de Us and Them já havia sido criada antes em 1969, quando o Pink Floyd fez a trilha sonora do filme Zabriskie Point, do diretor Michelangelo Antonioni, que tem como tema central o movimento de contracultura nos Estados Unidos dos anos 70. A base de piano foi feita em cima de uma cena de violência, e mesmo com as críticas de Antonioni ("É lindo, mais é muito triste. Me faz pensar em igrejas."), acabou ficando na trilha do filme. Eu sinceramente não consegui tirar conclusões sobre a letra, então usarei as palavras de Roger Waters:

As letras são diretas e lineares. São questões fundamentais sobre se a raça humana é capaz de ser humana.

Entendeu? Eu também não. Coisas do Roger... A grande beleza desta música está nos espaços deixados pelos instrumentos. Não são partes silenciosas, e sim momentos em que os instrumentos são deixados soar. Além disso, outro detalhe que chama atenção são os belos vocais de David e Richard nos refrões.

7. Any Colour You Like
Any Colour You Like é mais um instrumental no qual os sintetizadores são explorados ao extremo. Alguns efeitos como o tremolo e o chorus também são utilizados na guitarra para aquele tipo de timbre "molhado". O final desta música é a preparação para Brain Damage.

8. Brain Damage
Brain Damage é uma música feita para gênios incompreendidos. Assim como Syd Barret, fundador do Pink Floyd que supostamente teria ficado louco devido às muitas viagens de LCD durante sessões de composição para a banda, muitos acreditam que o próprio Roger Waters é um louco em potencial devido às suas paranóias remoídas desde a infância. Todas essas paranóias de Roger o levaram a escrever um álbum inteiro sobre o assunto, o The Wall (1979).

9. Eclipse
Para fechar o álbum, Eclipse trás a idéia de que apesar de tudo parecer estar em harmonia, a lua pode tapar o sol trazendo a escuridão - ou seja, a harmonia sempre pode ser quebrada. O clima dos arranjos traduz bem a angústia pelo momento em que se consolida o eclipse, tanto que nas apresentações ao vivo é justamente a imagem de um eclipse solar que é transmitida no telão do palco.

Para acabar esta resenha, gostaria de citar duas frases. Uma delas é do David Gilmour, declaração esta que me faz ter uma certa pena dele:

Eu adoraria ser uma pessoa que coloca os fones e escuta o álbum pela primeira vez. Nunca tive tal experiência... mas seria ótimo.

A outra é a fala que encerra o álbum:

Não há um lado escuro na lua, de fato. Ela é toda escura.

Nota Musical II: Os plágios sutis dos Mamonas Assassinas

2009-07-26T13:14:00.000-07:00

O Mamonas ganhou notoriedade entre 1995 e 1996 com as suas letras cômicas e com tom de paródia. Na época eu tinha 8 anos, e como a maioria das crianças me limitava a decorar e cantar todas as músicas do primeiro e único álbum da banda, o Mamonas Assassinas. Só depois de "crescidinho" eu vim a notar a genialidade e sutilieza destes rapazes de Guarulhos ao ridicularizar várias figuras nacionais, desde Belchior até Sepultura.

Porém, antes de ganhar a fama, a banda se chamava Utopia e tinha um conteúdo mais sério em suas letras. Desde aquela época eles já mostravam grande influência de bandas de som mais pesado. Esta influência persistiu após a guinada em que deram na carreira, trazendo o bom humor para as suas letras e mudando o nome da banda, mas eram as sátiras que tinham o maior foco de todos os ouvintes.

Dentre as várias sátiras e imitações, muitas pessoas não perceberam dois plágios sutis na música Bois Don't Cry. Não, o nome da música não é um deles - lembra de Boys Don't Cry, do The Cure? Os plágios se situam na parte pesada da música. A levada rítmica desta parte pesada foi descaradamente chupinhada da música The Mirror, do Dream Thater, com uma pequena mudança no tom para se adaptar ao resto da música. Uma outra chupinhada, esta mais sutil, está numa paradinha na parte pesada acompanhada de um timbre de teclado chamado sweep. Desta vez a música plagiada foi Tom Sawyer, do Rush.

Vejam nos links a seguir as versões originais de cada música e um remix que eu fiz para confrontar os originais e a cópia.
- Bois Don't Cry:
http://www.4shared.com/file/120680109/1f8cc961/BOIS_DONT_CRY.html
- The Mirror (parcial):
http://www.4shared.com/file/120682600/c916afcb/THE_MIRROR__parcial_.html
- Tom Sawyer:
http://www.4shared.com/file/120681621/9e925231/TOM_SAWYER.html
- remix Bois Don't Cry/The Mirror/Tom Sawyer:
http://www.4shared.com/file/120682927/6e181fd7/remix_BOIS_DONT_CRY-THE_MIRROR-TOM_SAWYER.html

Nota Musical I: A "continuação" de Breathe, do Pink Floyd

2009-07-25T18:07:00.000-07:00

Gostaria de abrir uma série de posts sobre curiosidades musicais em geral - as Notas Musicais. Pretendo que efetivamente vire uma série e não fique restrita a alguns poucos posts.

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Breathe é a música introdutória do célebre álbum do Pink Floyd, o The Dark Side of the Moon (1976). Ela é quase como um "overture" do álbum, juntamente com a estranha Speak to Me que a precede - esta é apenas uma motagem de sons que aparecem ao longo do álbum. Pois bem, vendo um vídeo da reunião do Pink Floyd ocorrida em 2005 no Live 8 (veja o vídeo abaixo) "descobri" que o final de Breathe está no final da quarta música do mesmo álbum, Time.

De fato, Breathe parece que não tem um fim, logo após ela já entra On the Run. O fim de Time tem os mesmos acordes (mi menor e lá) tocados do mesmo jeito que em Breathe, por isso parece ser uma continuação de Breathe.

Para ficar mais claro, seguem os links para você ouvir cada uma das músicas em sua versão original e um remix que eu fiz de Breathe com o fim de Time:
- Speak to Me/Breathe:

http://www.4shared.com/file/120672832/84fb27ff/SPEAK_TO_ME-BREATHE.html
- Time:

http://www.4shared.com/file/120674293/21ef25e9/TIME.html
- Speak to Me/Breathe/Time (remix):

http://www.4shared.com/file/120673186/d70f66c7/remix_SPEAK_TO_ME-BREATHE-TIME.html

Test for Echo (Rush) - Um álbum com uma identidade misteriosa

2009-07-24T07:10:00.000-07:00

Ao longo de sua história, o Rush sempre fez álbuns que tivessem uma identidade. Quando digo "identidade", quero dizer que os álbuns ou tinham um tema central (nenhum chegou a ser conceitual, ou seja, nenhum tem um tema sobre o qual o álbum se baseia do início ao fim, como se estivesse contando uma história) ou tinham alguma característica que os identificava em detrimento dos outros. A luta do pensamento individual contra o pensamento massificado em 2112 (1976), o duelo entre a razão e a emoção em Hemispheres (1978), os instintos humanos em Hold Your Fire (1987), o destino e a sorte em Roll the Bones (1991) e a religião em Snakes & Arrows (2007) são alguns exemplos de temas explorados pelo Rush ao longo da carreira. Por outro lado, a imaturidade do primeiro álbum lançadado em 1974 (o homônimo Rush), o início do "empopizamento" - professor Pasquale, me perdoe pelo neologismo – em Permanent Waves (1980), a tensão e certa obscuridade em Grace Under Pressure (1984), o som cru em Counterparts (1993) e a mixagem suja de Vapor Trails (2002) são exemplos de características marcantes de alguns álbuns do Rush.

Ao contrário deste “padrão” estabelecido não intencionalmente pela banda, em 1996 foi lançado o álbum Test for Echo. Este álbum não tem uma característica muito evidente, e eu mesmo demorei meses pra entendê-lo. Vou falar sobre o álbum primeiro, depois vou contar a minha conclusão.

Este álbum foi bem peculiar na carreira do Rush por vários motivos. O primeiro deles foi a pausa que eles deram antes da sua gravação. Eles vinham numa seqüência de gravações e turnês desde 1989, ano do lançamento do álbum Presto. Após a turnê do álbum Counterparts (1993) eles decidiram tirar um tempo de folga. Neste intervalo o guitarrista Alex Lifeson lançou seu primeiro álbum solo, chamado Victor, no qual ele mostra uma certa tendência para sons mais pesados, tendendo ao Heavy Metal. Neil Peart voltou a ter aulas com seu guru baterístico, Freddie Gruber - e as aulas foram tão produtivas que tempo depois ele lançou seu primeiro DVD-aula, o A Work in Progress, em 1997. E enquanto isso, o baixista e vocalista Geddy Lee se ocupava com a paternidade. Após a volta para a gravação do Test for Echo, todos eles juntaram as suas experiências vividas no tempo de folga para o novo material. Esta influência das atividades realizadas no tempo de folga podem ser notadas no som bastante pesado do álbum (muitas músicas têm guitarras afinadas abaixo da afinação padrão, o que contribui para o peso do som) e simplesmente no jeito com o qual Neil Peart passa a segurar as baquetas na turnê deste álbum (o traditional grip, veja a mão esquerda do baterista na foto). O segundo motivo para a peculiaridade do álbum foi o processo criativo. Ao longo de toda a história do Rush (considerando o período antes e depois deste álbum) o processo de composição se dividia nas partes musical e escrita – Alex Lifeson e Geddy Lee cuidavam da primeira e Neil Peart da segunda. Os dois “departamentos” sempre trabalhavam paralelamente, e ao juntar os dois trabalhos (sempre colocando partes musicais na letra de Neil) pequenos ajustes eram feitos. Desta vez o processo foi diferente: trechos de letras guardados por Neil há anos se juntaram com ideias musicais de Alex e Geddy simultaneamente, num processo extremamente espontâneo. Deste modo, as letras das músicas passaram a ter temas diferenciados e inclusive ter uma interpretação múltipla, pois os versos foram unidos como numa colagem. Apesar deste aspecto um tanto quanto "cubista" das letras, na maior parte dos casos é possível distinguir um tema em cada música. O terceiro motivo para a peculiaridade do álbum pode ser descrito pela seguinte frase, escrita nas paredes do estúdio de gravação:

Individualmente somos idiotas, mas juntos somos gênios.
Esta frase resume o espírito intenso de coletividade expresso nas músicas deste álbum e de como a coletividade pode ser mais brilhante que a individualidade. Contradizendo os temas individualistas do início da carreira, esta coletividade musical expressa pela banda mostra que eles atingiram um amadurecimento musical significativo.

Com todas estas mudanças no jeito de fazer música e após algum tempo fora da estrada, a banda teve um certo receio de como seria recebida com seu novo material. E o desejo de ver como o público responderia a um novo trabalho os levou para uma nova turnê. Eles precisavam de um “eco” da galera – daí a idéia para o nome do álbum.

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Nome do álbum: Test for Echo
Ano de lançamento: 1996
Músicas:
1. Test for Echo
2. Driven
3. Half the World
4. The Color of Right
5. Time and Motion
6. Totem
7. Dog Years
8. Virtuality
9. Resist
10. Limbo
11. Carve Away the Stone

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O álbum começa com a música-título Test for Echo. Além de já trazer a tal idéia do "eco" que a banda precisava ter, a música já trás o tom do álbum todo em termos de peso nas guitarras - característica que já vinha desde o álbum anterior. Logo depois vem Driven, uma músca que trás o espírito de motociclista viajante de Neil Peart - vale lembrar que no fim dos anos 80 Neil fez uma viagem de bicicleta pela África, e desde então passou a fazer as turnês do Rush viajando em sua moto - e também um pequeno "solo" de baixo que normalmente é esticado nas versões ao vivo. Half the World fala sobre as desigualdades que existem no mundo. Nesta música Alex mostra suas influências "folk" tocando uma mandola (instrumento semelhante ao bandolim e ao cavaquinho) num trecho da música.

The Color of Right é a primeira das músicas "cubistas". Ela trás algums idéias relacionadas sobre o que é certo ou errado, mas eu não tirei nenhuma conclusão a respeito, me desculpem. A próxima, Time and Motion, é outra filosofia cubista acerca do tempo e do movimento. Esta música tem uma das raras participações dos teclados com maior destaque.

Totem é mais uma música que fala sobre religião. Desta vez Neil discute sobre o mundo de religiões, ceitas e outras entidades espirituais que estão disponíveis para a nossa "escolha". Esta discussão é feita através de uma metáfora na qual cada um de nós está num totem assistindo às manifestações e discursos de todas as entidades religiosas enquanto elas fazem um tipo de "propaganda" para nos atrair.

Dog Years é uma mera metáfora para a vida humana, comparando-a com a vida canina. Virtuality antecipa vários aspectos e influências da difusão da internet e outras ferramentas derivadas da informática - vale lembrar que, na época, o mundo virtual estava dando os primeiros passos. Resist é uma bela canção "folk" (quem disse isso foi o prório Geddy, no DVD Rush in Rio) que tem um tom lírico e pessimista semelhante a outras músicas lançadas previamente - Bravado, do álbum Roll the Bones (1991); e The Pass, do álbum Presto (1989). Esta música ganhou uma versão acústica durante as turnês do álbum Vapor Trails e dos 30 anos da banda. Confira um vídeo bootleg desta música tocada na turnê R30:

Limbo talvez é o melhor exemplo para a célebre frase estampada nas paredes do estúdio. Na minha opinião é a instrumental mais complexa do Rush em vários quesitos: execução, criatividade, mixagem, etc. Além do trabalho em equipe do trio funcionar perfeitamente, há pequenos espaços para brincadeiras individuais. Pra encerrar, Carve Away the Stone trás uma metáfora na qual uma pedra simboliza a "bagagem" que nós adquirimos durante a vida e temos que carregá-la, ou às vezes deixar uma parte de lado.

Depois de meses que eu comprei este álbum, só há algumas semanas cheguei a uma conclusão sobre o que ele quer dizer. Talvez a identidade dele na discografia do Rush seja esta sua cara meio "cubista", um tanto quanto aleatória no que diz respeito a um tema principal. Além disso, o Test for Echo encerrou uma nova fase do Rush, marcada pelo retorno das guitarras ao papel principal das harmonias e melodias das músicas.

E o fim desta nova fase teve um desfecho trágico para a banda. Num intervalo de 11 meses, Neil perdeu sua filha num acidente de carro e sua mulher vítima de câncer. Após esta tragédia pessoal, a banda decidiu parar as suas atividades e Neil fez uma viagem de moto pela América do Norte, como uma espécie de "viagem interior" para tentar entender tudo o que estava acontecendo na sua vida. Como resultado desta viagem foi lançado o livro Ghost Rider.

Em 1998 foi lançado mais um álbum ao vivo na carreira do Rush, o Different Stages, um álbum com performances das turnês deste álbum e do álbum Counterparts em dois CDs e mais um terceiro CD com a gravação de uma apresentação da turnê do álbum Hemispheres feita em 1978 . E como homenagem às perdas sofridas por Neil Peart, foram usados versos da música Afterimage, do álbum Grace Under Pressure (1984):
Suddenly, you were gone
From all the lives you left yourmarkupon

Emmerson Nogueira Ao Vivo - Uma aula de acústico

2009-07-20T14:12:00.000-07:00

Mais uma resenha de um DVD muito legal pra vocês...

Bem, antes de comprar um CD ou um DVD eu costumo analisar a relação custo-benefício dividindo o preço do produto pelo número de músicas legais. Por exemplo, um CD que tenha 3 músicas legais e custe R$24 tem uma relação custo benefício de R$8 por música legal. Pelos meus critérios, R$5 por música legal é um valor razoável para comprar um CD ou DVD. Pois então, este DVD teve um custo-benefício de R$2,10 por música legal, e chutando alto. Este preço se deve tanto ao preço do DVD (comprei uma versão econômica por R$25) quanto pelas músicas do set list (contei 12 como "legais"). Mas esta é uma análise feita só olhando a capinha do DVD. Vendo o show inteiro o custo benefício tende a aumentar estratosfericamente...

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Nome do álbum: Emmerson Nogueira Ao Vivo
Lançamento: 2009
Músicas:
01. It's Raining Again (Supertramp)
02. Emotion (Bee Gees)
03. Rosanna (Toto)
04. The Logical Song (Supertramp)
05. Roxanne (Police)
06. Money (Pink Floyd)
07. Listen To The Music (The Doobie Brothers)
08. Mrs. Robinson (Beatles)
09. A Horse With No Name / Ventura Highway (America)
10. Tears In Heaven (Eric Clapton)
11. Sailing (Christopher Cross)
12. Kayleigh (Marillion)
13. Follow You Follow Me (Genesis)
14. Instrumental Vocal
15. Wish You Were Here / Breathe (Pink Floyd)
16. I Still Haven't Found What I'm Looking For (U2)
17. Give a Little Bit (Supertramp)
18. Instrumental Viola
19. Have You Ever Seen The Rain (CCR)
20. Every Breathe You Take (Police)
21. Blowin' In The Wind (Bob Dylan)
22. I Want To Break Free (Queen)
23. Final (instrumental)

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Este DVD é o tipo ideal para trilha sonora: você deixa rolando de fundo para uma festinha em casa, para uma reunião com amigos, para um restaurante ou barzinho, etc. Mas também é um desperdício deixar de ver o espetáculo que é este show. E este espetáculo se deve a vários fatores: qualidade dos músicos, arranjos bem feitos e criativos, produção do show, empolgação do público do show, etc.

Como o próprio Emmerson diz nos extras, este projeto acústico no qual ele está envolvido desde 2000 - período em que gravou quatro discos com versões acústicas de clássicos do Pop e do Rock que vão desde Rush até Simply Red, e um álbum só com músicas dos Beatles - tomou como característica ter arranjos bem criativos. Estes arranjos, além de serem "necessários" para contornar elementos da música "plugada" (como sintetizadores, guitarras distorcidas e efeitos em geral), se tornaram uma ferramenta para fugir do padrão do acústico simples tocado com os acordes básicos da música, como se fosse um luau.

Em especial para o DVD, o acústico tomou forma de "banda". Assim como há o clássico formato de guitarra, baixo e bateria (e também teclados) no Rock, a banda formada para o show tem o formato análogo de violões (e todas as suas variações: nylon, 6 cordas, 12 cordas, viola cinturada, lap steel e bandolin), baixolão, piano e bateria. E o mais legal é que este formato de banda funciona com a mesma dinâmica que uma banda "plugada". Não tem aquele lance de baterista tocando só com vassourinha (vide o acústico do Nirvana), ou aquele ambiente intimista composto por uma orquestra gigante pra dar preenchimento ao show (vide acústicos como o do Kid Abelha, dos Titãs, entre muitos outros produzidos pela MTV). A pegada é bem parecida com a de uma banda do Rock n' Roll. Talvez o único problema da banda seja uma das backing vocals (a que divide os vocais de algumas músicas com o Emmerson) que tem uma voz significativamente forçada, tentando fazer uma mistura de cantora lírica com cantora estilo afro-americana sem ter um resultado muito agradável.

O set list só tem clássicos do Rock, dos anos 60 aos 80 - tanto são "clássicos" que todas as músicas têm mais de 20 anos. Muitas músicas mostram influências e preferências do Emmerson, como as do Supertramp e Pink Floyd. Como disse anteriormente, os arranjos são muito criativos. Os músicos fazem paradinhas, quebradas no ritmo, improvisações; enfim, tudo o que os músicos amadores como eu adoram. Neste quesito eu destaco o baterista, que mostra muita ciratividade e até certa ousadia nas linhas de bateria - ousadia no sentido de usar padrões geralmente usados para música mais pesada que poderiam comprometer o clima de acústico, mas acabaram casando muito bem com o espírito deste acústico. O uso de diversos instrumentos de cordas também é interessante, principamente o da viola (que é um instrumento tipicamente brasileiro) aplicada à música gringa.

Das músicas do set list, duas que merecem destaque são Wish You Were Here / Breathe e Instrumental Viola. A primeira é um medely muito bem bolado, aproveitando o final do clássico violeiro do Pink Floyd para emendar a música introdutória do clássico álbum The Dark Side of the Moon. A segunda é um instrumental de autoria da própria banda, com uma abordagem interessante misturando o solo de viola cinturada com texturas de sintetizadores ao fundo.

As imagens do show são produto de uma super produção. O show foi gravado numa casa de eventos de São Paulo chamada Moinho, casa esta que tem um visual rústico com paredes de tijolinho muito charmosas. O conjunto da iluminação, fotografia e número de câmeras suficientes para cobrir cada detalhe da performance de cada músico fazem com que você se sinta como se estivesse lá no Moinho. Assitir com um Home Theatre deve ser melhor ainda.

Desde que o formato de show acústico se tornou popular (por volta do incício dos anos 90), muitas bandas têm adotado o formato, porém de formas diferentes. Alguns artistas optam por shows mais minimalistas, como Eric Clapton e Paul McCartney. Outros tentam recriar os arranjos de modo a criar um ambiente intimista, geralmente com o auxílio de instrumentos de orquestra como violinos, cellos, violoncelos, etc. Poucas bandas tentam recriar a mesma pegada de quando se toca plugado - de cabeça lembro agora do Ultraje à Rigor - e o Emmerson Nogueira foi uma dessas. E este último modo de se fazer um acústico é provavelmente o jeito mais fácil de contagiar a platéia. E neste aspecto o Emmerson Nogueira dá uma aula neste DVD.

Interpretando a letra de "Casa" (Lulu Santos)

2009-07-13T17:45:00.000-07:00

Como eu já havia dito no primeiro post, este blog não terá só resenhas sobre álbuns. Ele terá outras discussões acerca do tema música que eu julgue serem interessantes. Eis a primeira delas: vou analisar aqui a letra da música Casa, do Lulu Santos. Esta música tem mais de vinte anos, mais ainda é muito atual, como toda a obra do Lulu Santos - o que ele escreveu nos anos 80 já era à frente do seu tempo, e continua sendo atual nos anos 2000.

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Música: Casa
Álbum: Lulu (1986)
Autor: Lulu Santos

Primeiro era vertigem como em qualquer paixão
Era só fechar os olhos e deixar o corpo ir no ritmo
Depois era um vício, uma intoxicação
Me corroendo as veias, me arrasando pelo chão

Mas sempre tinha a cama pronta e rango no fogão
Luz acesa, me espera no portão prá você ver
Que eu tô voltando pra casa, me vê
Que eu tô voltando pra casa outra vez

Às vezes é tormenta, fosse uma navegação
Pode ser que o barco vire, também pode ser que não
Já dei meia-volta ao mundo levitando de tesão
Tanto gozo e sussurro já impresso no colchão

Pois sempre tem a cama pronta e rango no fogão
Luz acesa, me espera no portão prá você ver
Que eu tô voltando pra casa, me vê
Que eu tô voltando pra casa outra vez

Primeiro era vertigem como em qualquer paixão
Logo mais era um vício me arrasando pelo chão
Pode ser que o barco vire, também pode ser que não
Já dei meia-volta ao mundo levitando de tesão

Pois sempre tem a cama pronta e rango no fogão
Luz acesa, me espera no portão prá você ver
Que eu tô voltando pra casa, me vê
Que eu tô voltando pra casa outra vez

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Esta música parece ser feita para aquele cara que chifrou (ou ainda chifra) a mulher e depois se arrepende. Nos primeiros versos ele mostra que anda aprontando, mas fala das coisas legais:

Primeiro era vertigem como em qualquer paixão

Era só fechar os olhos e deixar o corpo ir no ritmo.

Depois ele começa a perceber que está fazendo cagada e mostra o arrependimento:

Depois era um vício, uma intoxicação

Me corroendo as veias, me arrasando pelo chão.

E aí vem o cúmulo da cara-de-pau e ele se dá conta que tem o bem-bom esperando em casa. E ainda anuncia que vai voltar:

Mas sempre tinha a cama pronta e rango no fogão

[...] me espera no portão prá você ver

Que eu tô voltando prá casa

E depois do refrão ele ainda relembra dos "bons tempos", comparando o relacionamento extra-conjugal com o navegar em um barco:

Às vezes é tormenta, fosse uma navegação

Pode ser que o barco vire, também pode ser que não

Já dei meia-volta ao mundo levitando de tesão

Tanto gozo e sussurro já impresso no colchão.

Ele até mostra um certo temor de que tudo dê errado, mas bem de leve:

Pode ser que o barco vire, também pode ser que não

Eu achei muito legal a letra pela sutileza com a qual o Lulu trata este assunto. Além disso, eu não lembro de uma música de um chifrador arrependido - ao contrário de música de chifrado, das quais já estamos fartos.

Quanto à música em si, o Lulu mostra que é um produtor de mão cheia. O cara conseguiu criar um clima de suspense nas estrofes, e boa parte deste clima se deve à harmonia. Os acordes da harmonia têm várias notas em comum, tendo variações só na nota tônica (ou seja, a mais grave), o que, junto com os teclados, dão uma bela textura à música. E na entrada dos refrões ele usa delays na guitarra que lembram muito o mestre The Edge do U2 - e olha que nesta época o The Edge estava só começando a explorar as sonoridades loucas que o tornariam conhecido até hoje.

Pra acabar, um vídeo com a performance ao vivo, que é muito legal: http://www.youtube.com/watch?v=ihgqAmxwVXo

DVD Rush in Rio (Rush) - A saga do power trio na América do Sul

2009-06-11T19:07:00.000-07:00

Bem, eu também tenho DVDs de cabeceira. Aí vai um dos que não podem faltar...

Pra começar, vou situar este show cronologicamente. Este DVD foi gravado no último show da turnê do álbum Vapor Trails, em dezembro de 2002. Assim como os outros shows que fizeram no Brasil naquele fim de dezembro (em São Paulo e Porto Alegre), este show foi especial por várias razões.

A primeira delas foi o fato de ser o último show de uma turnê especial, que marcou a volta da banda após um período de 6 anos parados causado pelas tragédias pessoais de Neil Peart (bateria) – sua mulher e sua filha morreram no ano de 1998. Durante este hiato, cada um seguiu seu próprio rumo: Neil pegou a sua moto e embarcou numa viagem pelas Américas Central e do Norte, como uma espécie de "viagem espiritual"; Geddy Lee (baixo, teclado e vocais) gravou seu primeiro trabalho solo, My Favorite Headache; e Alex Lifeson participou em diversos projetos musicais com bandas como o 3 Doors Down, por exemplo. Em 2001 eles começaram a se reunir gradativamente e o resutado desta reunião foi o álbum Vapor Trails, lançado em 2002. Depois de muito discutirem sobre fazer ou não uma nova turnê, acabaram decidindo por fazê-la.

A segunda razão que torna este show especial foi o fato de terem vindo ao Brasil pela primeira vez, atendendo aos pedidos dos fãs que os aguardavam por mais de 20 anos, mesmo sabendo dos riscos que havia em fazer três shows do porte que fizeram. E o calor com que foram recebidos fez com que esta se tornasse uma experiência inesquecível para cada um deles, tanto que lançaram o CD e o DVD ao vivo Rush in Rio com o resultado da gravação do último show, no Maracanã. E a terceira foram os públicos que vieram lhes assistir nestes três shows: 25000 em Porto Alegre, 60000 em São Paulo e 40000 no Rio de Janeiro; os três superando com folga qualquer show que eles já tinham feito na carreira.

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Nome do DVD: Rush in Rio
Lançamento: 2003
Músicas:
01. Tom Sawyer
02. Distant Early Warning
03. New World Man
04. Roll the Bones
05. Earthshine
06. YYZ
07. The Pass
08. Bravado
09. The Big Money
10. The Trees
11. Frewill
12. Closer to the Heart
13. Natural Science
14. One Little Victory
15. Driven
16. Ghost Rider
17. Secret Touch
18. Dreamline
19. Red Sector A
20. Leave That Thing Alone
21. O Baterista
22. Resist
23. 2112
24. Limelight
25. La Villa Strangiato
26. The Spirit of Radio
27. By-Tor and the Snow Dog/Cygnus X-1: Prelude/Working Man

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Quanto ao som, este álbum tem uma sonoridade peculiar. Tem a mesma coerência de um álbum de estúdio, já que as músicas, mesmo sendo de épocas distintas da carreira do Rush, têm uma sonoridade parecida. A qualidade do som é muito questionada, mas o fato é que o som do DVD é significativamente melhor que o do CD. As guitarras bem pesadas e o baixo com um timbre "crunch" característico que até hoje é um mistério para vários baixistas fãs da banda têm esta cara graças ao equipamento de som de qualidade "duvidosa" usada não só no show do Rio de Janeiro, mas também nos shows de Porto Alegre e São Paulo. A bateria com som marcante já era uma característica conhecida de outros álbuns, tanto de estúdio como ao vivo.

O DVD começa com imagens do Rio de Janeiro (obviamente, do Cristo Redentor), do Rush indo ao estádio e da polícia escoltando-os – interprete como quiser. Também há imagens do público ensandecido entrando no estádio e gritando: "Rush, Rush, Rush...".

O primeiro bloco do show é composto pelos maiores sucessos. Logo na abertura, "Tom Sawyer", o maior hit da banda que ficou conhecido aqui no Brasil por ser o tema de abertura do seriado do McGyver. A galera vai à loucura. Seguem outros hits como "New World Man" e "Distant Early Warning", além de um novo trabalho, "Earthshine".

"YYZ" merece um parágrafo à parte. Esta música instrumental foi literalmente cantada pelo público, algo jamais visto pelos integrantes da banda num show. Tanto que, durante as mixagens, por várias vezes eles isolavam o canal por onde se captou as vozes da multidão e escutavam repetidas vezes. Esta história sempre é lembrada em diversas entrevistas dadas pela banda.

Outros sucessos se seguem, como as baladas "The Pass" e "Bravado", a eletrizante "The Big Money" e as clássicas "The Trees" e "Freewill" – esta última merecendo uma ovação de mais de 40000 pessoas durante a seção instrumental. Sabendo do gosto dos latinos por "Closer to the Heart", eles incluíram-na no set list especialmente para os shows no México e na América do Sul. E para fechar o primeiro bloco, "Natural Science".

O segundo bloco começa com uma explosão de chamas artificiais e com a música "One Little Victory", música do novo trabalho que simbolizou o retorno triunfal e energético de Neil Peart. A ela se seguiram "Driven", "Secret Touch" e "Ghost Rider", as duas últimas do trabalho mais recente da banda. Depois tiveram "Dreamline", "Red Sector A" e a instrumental "Leave that Thing Alone".

E como costumava acontecer durante a turnê anterior (do álbum Test for Echo), veio o solo de bateria, desta vez justamente nomeado "O Baterista". Este é o solo mais emblemático da carreira de Peart, senão o melhor. Mistura ritmos africanos, jazz, rock e até um pouquinho de samba. Um prato cheio para os bateristas, e para os fãs em geral também.

Para dar um descanso a Neil, Geddy e Alex fizeram uma versão acústica de "Resist" somente em voz e violões, coisa jamais feita em turnês anteriores. É sem dúvida um dos momentos mais emocionantes do show. Logo em seguida, para romper com o momento singelo, se ouve o sweep marcante de "2112". O público fica louco e acompanha aos pulos e aos gritos de "Hey!" nas paradinhas. Logo em seguida vem o clássico "Limelight".

"La Villa Strangiato" é outra que merece um parágrafo a parte. Trata-se de uma instrumental que é a maior obra-prima de Alex Lifeson, pois foi composta como uma compilação de pesadelos e outras besteiras que fazem parte da personalidade dele. Ao longo dos anos, sempre a banda fez uma passagem intermediária na música na qual Alex improvisava qualquer idiotice que tivesse em mente. Nesta versão, Alex começa a tentar cantar totalmente desafinado, depois apresenta a banda de uma maneira totalmente insana e, para apresentar Geddy, diz: "On the bass guitar: the guy from Ipanema". E Geddy toca um trecho do clássico de Tom Jobim.

E para encerrar ainda há um medley de três músicas dos anos 70: "By-Tor and the Snow Dog", "Cygnus X-1: The Voyage Prologue" e "Working Man".

Assistir o show já basta para a maioria das pessoas, mas o mais legal é o documentário "The Boys in Brazil", no segundo DVD. É um documentário que mostra toda a saga da banda nas três cidades em que passaram, desde a chegada no aeroporto de São Paulo, com dezenas de fãs esperando como se eles fossem mega pop stars (provavelmente você nem sabia o nome dos caras antes de ler este review); até os momentos antes de cada show e as "fortes emoções" com relação ao tempo chuvoso e os equipamento que falhavam.

O documentário serve para trazer quem está assistindo para a realidade da época do show. Ver o frenesi dos fãs nas filas para entrar no estádio; o depoimento de vários deles falando sobre a espera de mais de 20 anos para vê-los; a paixão e fanatismo incondicional que eles têm por um cara narigudo, um tiozão meio fora de forma que parece o Lóide de "Debi e Lóide" e um mestre das letras e das baquetas; vê-los circulando pelas ruas de sua cidade (ou do seu país, se você não mora em nenhuma destas cidades); ver uns caras na platéia agradecendo aos céus por eles terem vindo... tudo isso faz deste show uma experiência indescritível. Eu, como fã desta banda, me arrependerei de não ter ido neste show até a próxima vez que eles vierem – ou seja, isto pode significar que eu me arrependerei até a morte.

Para os que já são fãs do Rush, só a experiência de assistir este DVD já dá um nó no coração de pensar "Cacete, por que eu não fui ao show?", ou "Cacete, quero ir num show deles de novo!". Para quem não é fã e tem curiosidade em conhecer a banda, trata-se de um ótimo cartão de visitas, principalmente para tirar seguinte dúvida: como uma banda que não costuma tocar em rádios vem para o Brasil e arrasta 125000 fanáticos para estádios? Assista e reflita...

Turbination (Hudson Cadorini) - Guitar Hero de bota e chapéu de cowboy

2009-05-22T13:27:00.000-07:00

Depois de escutar com carinho toda esta obra, decidi fazer um review pra mostrar como existem músicos neste nosso "Brasil varonil" que não recebem o devido valor merecido.

Sou fã desse cara há mais de um ano. Lembro que a primeira vez que o vi foi num programa da Ivete Sangalo na Globo. Não dava 10 merréis prum caipira com uma guitarra no pescoço, até ele mandar o solo de Another Brick in The Wall sem pestanejar, então passei a respeitá-lo. Tempo depois o vi novamente na TV, agora num programa da Eliana, tocando uma double neck enquanto um cara esculpia uma guitarra no gelo. Não contente, o cara tinha ainda aqueles rackzinhos com uma Les Paul e uma JEM – "Hum, esse cara não é pouca porcaria não...". Bastante tempo depois, acho que no fim de 2007, estava fazendo um surf de canal e eis que me deparo com o show do Edson & Hudson e pensei: "Vamos ver o que esse cara toca". De repente, após uma música X deles, a câmera mostra toda a arena de cima, e quando volta a câmera pro palco estava ele mandando o início de Violência Armada. "Caralho!!! Que foda!!". Depois disso, virei fã. Até houve uma oportunidade que fui a um supermercado aqui perto de casa e estava passando este DVD numa TVzona, então eu fui lá e pulei as músicas na cara dura pra ver Violência Armada.

Bom, pra quem não sabe Hudson Cadorini é o mesmo Hudson da dupla sertaneja Edson & Hudson de Limeira/SP. O Hudson vinha mostrando há algum tempo as suas habilidades como guitarrista no próprio som da dupla, e depois de "consolidar" a carreira da dupla decidiu gravar este álbum solo dedicado exclusivamente à musa dos Guitar Heros: a guitarra.

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Nome do álbum: Turbination
Lançamento: 2008
Músicas:
01. Deep Van Riff
02. Violência Armada
03. Turbination Mocolotrox
04. Vl Max
05. Zum Zum Zum
06. Ligaduriuns Metranca Invertis
07. Fat Riff in Db
08. Sinal de Vida
09. Eu Não Vou Mudar de Lado
10. Delax
11. Lágrimas de Deus
12. Deixa pra Lá
13. K7

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1. Deep Van Riff
É a típica música de abertura: riff marcante, pegada bem cadenciada e Rock n' Roll. Talvez esteja aí o ponto de comparação com guitar heros como Joe Satriani, por exemplo - apesar de o guitarrista limirense apontar como influências David Gilmour (Pink Floyd), Steve Vai e Eddie Van Halen (Van Heln). Mas acho que as comparações param por aí, pois o estilo do Hudson é muito mais abrangente.

2. Violência Armada
Essa talvez seja a "música de trabalho" do álbum. Ela foi gravada no DVD ao vivo da dupla sertaneja, num momento bem peculiar do show – imagine o cara de bota com espora e chapéu de cowboy tocando toda essa parafernália! Ele mostra boa parte do seu aparato técnico, com tappings e aquelas frases rápidas que parecem uma "varrida" no braço da guitarra, além das alavancadas à la Vai. Na performance ao vivo ainda é incluso um talk box, vejam:

3. Turbination Mocolotrox
Uma coisa é inegável: ele foi muito criativo ao dar nome para as músicas – dar nome pra instrumental não é fácil. Essa aqui mostra todas as tendências mais metaleiras.

4. Vl Max
Se vocês escutarem essa música, vão pensar a mesma coisa que eu: pagaram um bêbado pra falar essas merdas na introdução? Na verdade, trata-se da seguinte fala, só que invertida:

A chuva choveu! A chuva choveu!
Molhou meu caralho, molhou meu caralho!
Hoje eu como com o Dum, hoje eu como com o Dum.

Essa é uma das três músicas letradas do álbum, mostrando uma tentativa de relacionar o Rock n' Roll com a realidade nacional, chegando a colocar lado a lado a guitarra e a viola. É uma letra meio bobinha, mas o instrumental é bem legal, com um som de teclado bem interessante.

5. Zum Zum Zum
Muita gente logo de início comparou o Hudson com outros guitar heros, principalmente os da turma do G3, mas depois de ouvir o Turbination passei a discordar. Ele tem um estilo próprio que é bem representado nesta música. Ele conseguiu misturar muito bem um belo som de violão com uma guitarra distorcida, fazendo uma música mais voltada para uma "balada". Imagino que ele deve ter usado mais de uma guitarra pra gravar esta música – não sei quais, mas devem estar dentro da coleção dele: Ibanez JEM, Gibson Les Paul, Fender Stratocaster SRV, Peavey Wolfgang, Gibson Flying V e Gibson Doubleneck. E é claro que os outros músicos colaboram muito com a sonoridade da música: nada como a levada do Ivan e os slaps do Andria, fora o belo som de piano.

6. Ligaduriuns Metranca Invertis
Mais uma música com nome escroto e com introdução do bebum - nessa a fala invertida é: "Vai toma no cu, puta som!". É um típico Speed Metal, com vários ligados – perdão se usei a nomenclatura errada, mas quem escutar terá idéia do que estou falando. Ela tem até uma paradinha, e quando volta rola um efeito estéreo da guitarra, parecendo que cada lado foi gravado com um amplificador diferente.

7. Fat Riff in Db
Mais um instrumental bem Hard Rock, com todas as firulas já tradicionais. E ainda tem um fim bem legal, com um timbre de teclado vocalizado enquanto a guitarra toca bem ao fundo, com bastante reverb, parecendo que está num estádio vazio.

8. Sinal de Vida
Essa é outra balada muito bem trabalhada, com belos detalhes pianísticos e que apresenta uma boa transição do crunch pro pesado. E mais uma vez ele aparenta trabalhar com mais de uma guitarra na mesma música. E a porção final tem uma subida de tom que dá significado ao título.

9. Eu Não Vou Mudar de Lado
Essa é uma típica música de Hard Rocker marrento. Basta observar o refrão:

Eu não vou mudar de lado
Só pra ouvir você dizer
Que um dia iria me convencer
Pois eu sei que isso tudo
É ilusão do coração
Eu não sei de tudo mais tenho
razão

Olha, e o cara até que manda bem nos vocais. Tanto que fiquei com esta letra na cabeça por dias. É uma das minhas músicas preferidas do álbum.

10. Delax
Essa música é bem "Hudson", se é que vocês me entendem. Ele mistura todas as suas influências: desde o Hard Rock, até o Funk (que é atravessado por um fraseado bem "varrido"). E os efeitos também, usando desde os slow attack até o wah-wah. O teclado também merece destaque, pois dá toda a atmosfera da música. Pra mim, a melhor do álbum.

11. Lágrimas de Deus
Mais um violão-guitarra. Me espanta como o cara manda uns tappings junto de uma base acústica, com um órgão de fundo dando a atmosfera sacra da música...

12. Deixa pra Lá
A última música letrada trás uma letra curiosa, até um tanto filosófica, mostrando certa indiferença com relação aos problemas do mundo. A mistura de ritmos latinos e Rock n' Roll ficou bem interessante, ainda mais incluindo um slow attack e uns sons de talk box.

13. K7
K7 faz jus ao seu nome. Ela foi gravada ao vivo no estúdio, provavelmente usando um gravador de fita K7. Esta música é uma alusão aos tempos em que o Hudson e seu parceiro de composições Vinícius X se reuniam para compor os temas musicais que vieram a formar o Turbination. Uma boa música para encerrar um álbum, por sua simplicidade.

Sobre o Hudson, só ouvindo mesmo pra ter noção. Na minha opinião, já é um dos maiores guitarristas brasileiros; não só por sua técnica, mais principalmente pela sua criatividade e pela facilidade com que ele transita entre vários estilos. Se você gosta de música – não só Rock 'n Roll, mas qualquer outro estilo - escute o álbum e/ou procurem o DVD O Massacre da Guitarra Elétrica, que nada mais é que o registro ao vivo de quase todas as músicas do Turbination tocadas pelo Hudson juntamente com a sua banda, a Banda Rollemax. Trata-se de uma aula de técnica, composição, mixagem e tudo mais. O Turbination só veio para provar que há muitos músicos no Brasil escondidos por aí e não têm o valor merecido devido à falta de exposição na mídia.

E fiquem de olho! O cara está com um trabalho novo saindo do forno. Como a dupla com o Edson tem data marcada para acabar (no fim de 2009 eles se separam e seguirão carreira solo), resta esperar por novos trabalhos deste gênio (sim gênio) da guitarra.

Começando com o primeiro álbum da cabeceira - Moving Pictures (Rush)

2009-05-22T11:36:00.000-07:00

Formado por Geddy Lee (vocais, baixo e teclado), Alex Lifeson (guitarra) e Neil Peart (bateria e percussão), o Rush é um power trio de grande talento instrumental surgido no Canadá em 1974, com influências de bandas de Hard Rock da época como Led Zepellin, Cream e The Who. Gravado em 1981, o álbum Moving Pictures foi o álbum mais aclamado do grupo, sendo o responsável pela popularidade mundial do som desses três caras de Toronto. Como o próprio Neil Peart já disse em uma entrevista: "Com o Moving Pictures, nós passamos a vender duas vezes mais discos, passamos a tocar duas vezes mais nas rádios, pasamos a ter duas vezes mais pessoas nos nossos shows...".

Vindo de uma fase de experimentações no final da década de 70, com o uso de novos instrumentos, abordagens rítmicas e de sintetizadores, o Rush chegou à década de 80 com o propósito de seguir uma linha determinada a partir das experimentações realizadas anteriormente. Para tal, o trio iniciou a década com o álbum Permanent Waves (1980), precedente do Moving Pictures, já mostrando uma linha menos experimental, mais direta e com a presença marcante dos sintetizadores. No ano seguinte, o lançamento de Moving Pictures só veio a confirmar a tendência de praticamente toda a década de 80: pegada Hard Rock, juntando alguns elementos de outros ritmos musicais e letras com temas urbanos.

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Nome do Álbum Moving Pictures
Lançamento: 1981
Músicas:
1. Tom sawyer
2. Red Barchetta
3. YYZ
4. Limelight
5. The Camera Eye
6. Witch Hunt
7. Vital Signs

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1. Tom Sawyer
O álbum começa com o maior hit da carreira do grupo, Tom Sawyer, inspirado no livro “As Aventuras de Tom Sawyer”, de Marc Twain. Logo na primeira faixa os três mostram tudo o que sabem em linhas de bateria complexas, teclados marcantes e a guitarra casando com o todo da música. Além de tudo, a música foi tema de abertura da versão brasieira do seriado “Profissão Perigo”, ou simplesmente “o seriado do McGyver”.

2. Red Barchetta
Logo em seguida, a adrenalina de Red Barchetta, que ilustra uma corrida de carros (pode-se ouvir, em certo instante, o cantar dos pneus). Mais uma influência da vida de Peart nesta letra: a paixão pela velocidade (só que no caso dele, paixão por motos). Aconselho fortemente não ouvir esta música enquanto você dirige, pode ser muito perigoso...

3. YYZ
A terceira faixa traz uma das obras primas do grupo: YYZ. Esta música instrumental tem no nome uma história peculiar: Alex, antigo controlador de vôo, resolveu batizar a então nova música instrumental com o código do aeroporto de Toronto, aeroporto este em que ele trabalhava. Detalhe: as batidas iniciais da música, em código Morse, significam YYZ!!! A música também é marcada por um pequeno “duelo” entre baixo e bateria, e tem o grand finale com o peso dos teclados. Esta música marcou a vinda deles ao Brasil em 2002, pois a galera literalmente cantou a música insandecidamente. Mas esta história fica pra depois...

4. Limelight
Limelight é uma das poucas músicas que, assim como nas músicas compostas por Peart na década de 70, traduz sentimentos próprios do autor. Ele trata nesta música de como a fama pode arruinar a vida das pessoas, em particular, de uma banda de Rock. Este tema se justifica pelo fato de o Rush ser uma banda que nunca foi alvo da mídia, sempre conquistando fãs através de seus shows e não das rádios como a maioria das bandas famosas. Trás uma guitarra bem marcante, com um solo recheado de técnica por parte de Alex Lifeson.

5. The Camera Eye
The Camera Eye, assim como sugere o título, dá um panorama de uma cidade como que filmada de um helicóptero, possibilitando perceber todas as nuances de uma metrópole (podem ser ouvidas buzinas de carros nos primeiros segundos da faixa). Mais de dez minutos de técnica musical milimetricamente apurada.

6. Witch Hunt
Witch Hunt (ao bom português, “caça às bruxas”) faz parte da tetralogia “Fear”, cujas outras músicas (The Enemy Within, The Weapon e Freeze) estão em outros álbuns da banda (Grace Under Pressure, Signals e Vapor Trails, respectivamente). Trata-se de uma obra de suspense, em que a introdução reproduz exatamente o clima de um filme do gênero, mantendo o suspense até o início do refrão, quando há a explosão da música com o uso, mais uma vez, dos sintetizadores. A letra trata sobre o medo que muitas vezes atribuímos a fatores externos, mas na verdade está dentro das nossas próprias mentes. A letra também faz alusões à Inquisição.

7. Vital Signs
Vital Signs é talvez a música deste álbum que mais combina com a fase oitentista da banda. Seguindo a tradição dos álbuns do Rush, a última música antecipa alguns aspectos do álbum seguinte (Signals, de 1982), com uma pitada de reggae aparecendo como influência, assim como ocorreu com outras bandas da época como The Police, Talking Heads e The Clash. Peart mais uma vez mostra sua adoração por ficção científica, tentando explicar os extintos humanos através de outras ciências a não ser a própria Medicina.

2009-05-22T11:30:00.000-07:00

Olá!

Seja bem vindo ao Álbuns de Cabeceira. Criei este espaço para dividir com você minhas opiniões sobre música em geral, pra falar um pouco sobre o que estou ouvindo, entre outros assuntos. Conto com sua participação e espero conseguir postar com uma certa regularidade para podermos trocar idéias sobre música.

Espero que você goste e sempre dê uma passadinha por aqui pra ver as novidades!